Diário de um cinemeiro
28/01/2021
O Insaciável (Ruthless), 1948 , Edgar G. Ulmer
O Insaciável no iutubi
Dayton Stodart (novela), S. K. Lauren... (roteiro) and Gordon Kahn... (roteiro) e Alvah Bessie... (roteiro) (não creditado)
Sobre Alvah Bessie
Edgar G. Ulmer conversa com Peter Bogdanovich
Bogdanovich: Outro dos seus melhores filmes é Ruthless, 1948
Ulmer: Sim. A versão que você assistiu também é cortada: eles cortaram depois do lançamento.
Bogdanovich: Porquê?
Edgard G. Ulmer: Não sei, coisas de Hollywood
Peter Bogdanovich: O que foi cortado?
Ulmer: Cortaram três longas sequências entre Louis Hayward e o rapaz, e duas sequências de Sydney Greenstreet e Zachary Scott. Era um roteiro perigoso, que teve de ser cortado porque o senador anticomunista Joseph P. McCarthy interferiu; o roteiro era de Alvah Bessie, uma das vítimas da lista negra de McCarthy.
Bogdanovich: Ele não foi creditado?
Ulmer: Não
Bogdanovich: Quem são S. K. Loren e G. Kahn
Ulmer: Nomes inventados - era a época do pânico
Bogdanovich: O cameraman foi Bert Glennon - ele é muito bom
Ulmer: Um homem maravilhoso, que fez o primeiro Stagecoach (No tempo das diligências, 1939, de John Ford); foi indicado para o prêmio da Academia por eese trabalho. Um filho da mãe mal-humorado, mas um cameraman maravilhorso.
Bogdanovich: O que mais o interessou em Ruthless?
Ulmer: O interessante era a formação das personagens em retropecto - o flashback. Mais, a perversidade total e impiedosa a respeito de dinheiro - era isso que eu queria realizar. Eles cortaram fora. No filme ainda resta algo disso. Eu queria fazer uma peça moralista - um filme moralista jesuita - em três niveis: terra, inferno e paraiso. Foi por isso que situei a casa no topo. Mas eles me combateram em todos os passos, porque constituia uma condenação muito séria do americanismo cem por cento - como Upton Sinclair percebeu. E eu tinha um produtor muito fraco, Arthur Lyons - o empresário típico.
(Peter Bogdanovich, Afinal quem faz os filmes (2000). p. 693, Companhia Das Letras)
29/01/2021
Cinco Dedos (5 Fingers), 1952, Joseph L. Mankiewicz
Cinco Dedos no iutubi
Cinco Dedos (Five Fingers – 1952)
Por Octavio Caruso, 16 de abril de 2015
Quando se fala no diretor Joseph Mankiewicz, o cinéfilo dedicado pensa logo em “A Malvada”, porém, existem duas obras-primas dele que poucos lembram: “Quem é o Infiel?” e “Cinco Dedos”.
O título pode parecer esquisito, mas, baseado em uma história real, a trama de espionagem ambientada na Segunda Guerra Mundial é uma desculpa para um exercício de criação de suspense, com o auxílio de uma ótima trilha sonora de Bernard Herrmann, que emoldura momentos de pura tensão. Com certeza, um trabalho que chamou a atenção de Hitchcock para a possibilidade de uma futura parceria, que seria iniciada três anos depois, com “O Terceiro Tiro”.
James Mason vive o empregado da embaixada britânica que sonha com um futuro de riqueza e glória no Rio de Janeiro, capaz de vender documentos para os alemães para realizar seu objetivo. Tentando impressionar uma bela condessa, vivida por Danielle Darrieux, uma personagem criada no roteiro hollywoodiano, o homem não percebe que a mulher possui ainda menos caráter que ele, o que conduz para um desfecho sensacional, que, obviamente, não irei revelar no texto. Eu saliento também uma cena que ocorre no segundo ato, quando o protagonista desliga a eletricidade da mansão para poder abrir o cofre e tirar fotos dos documentos.
É impressionante o nível de tensão que a montagem estabelece na cena, alternando as ações do homem, correndo contra o tempo, sem saber que, do lado de fora, a faxineira procurava formas de ligar novamente a eletricidade para poder limpar o chão. Uma verdadeira aula. Diello (Mason) é um vilão, mas, graças ao seu carisma, acabamos torcendo por ele. Uma obra-prima que merece ser redescoberta por todos aqueles que amam a Sétima Arte.
30/01/2021
The United States vs. Billie Holiday (2021), Lee Daniels
Billie Holiday-Strange fruit
How ‘The United States vs. Billie Holiday’ Found Its Lady in Andra Day
By Max Gao, Observer, 03/27/21
When Oscar-nominated director Lee Daniels was just 13 years old, he watched a film that left an indelible mark on his journey to becoming a filmmaker. That film was Lady Sings the Blues, the Oscar-nominated biopic that starred Diana Ross as the legendary jazz vocalist Billie Holiday.
“That [film] really messed with my head because they were beautiful people [who] looked like I looked on the big screen,” the United States vs. Billie Holiday director tells Observer in a Zoom interview last month. “It was mesmerizing to watch Black people in love, and I’d never seen two people kiss on screen before or just the humor that Richard Pryor had.
“It was the story that Black people needed, that the culture needed at the time, because we needed a love story. It was beautiful, and I think that that movie made me want to become a director.”
Nearly five decades after the 1972 release of that film, Daniels received a screenplay for a new Holiday biopic that was written by Pulitzer Prize-winning playwright Suzan-Lori Parks and was based on a chapter of Johann Hari’s best-selling book, Chasing the Scream: The First and Last Days of the War on Drugs. It was in the pages of those works that Daniels came to realize that his rose-colored, initial impression of the jazz artist masked the ugly truth of a targeted government takedown.
Holiday, who died of cirrhosis in 1959 at the age of 44, is often described as “an iconic jazz singer and drug addict” in the same breath. During the last two decades of her life, she famously performed “Strange Fruit,” a song protesting the lynching of Black people, making her one of the first outspoken leaders of the Civil Rights movement.
Holiday’s addiction was a focal point for Harry J. Anslinger, who was the lead architect of the infamous “War on Drugs” in the 20th century. As the first commissioner of the U.S. Treasury Department’s Federal Bureau of Narcotics, Anslinger, who served under five U.S. presidents, had a history of targeting renowned jazz musicians for marijuana use. One of those musicians was Holiday, whom he tried to bully into not singing “Strange Fruit” by going after her drug and alcohol use.
After watching Lady Sings the Blues for the first time, Daniels recalls, “I went a little further in getting [into] Billie Holiday’s music, and it wasn’t like Diana Ross’ music at all, who was interpreting her. I actually didn’t like it, so I put it down. And some 30 years later, I started listening to her music again. It’s an acquired taste, and then, I became obsessed with her music.
“I listened to the lyrics of ‘Strange Fruit’ and I had a new understanding of Billie Holiday. Just those words were so powerful. She just spoke to me; that story spoke to me. The story of the unsung hero, the underdog. The fact that she was a Civil Rights leader and didn’t get the credit for it. I get chills now just thinking about it.”
After signing on to direct The United States vs. Billie Holiday, which has been described as “the true story of Billie Holiday’s life,” Daniels knew that he had his work cut out for him to find the right actress to embody the late singer. Many of his friends and fellow collaborators immediately urged him to meet with Grammy-nominated artist Andra Day, who had performed her own rendition of “Strange Fruit.” https://www.youtube.com/watch?v=aMqB5V-UqOg
Daniels initially refused to meet Day, citing her lack of experience as an actor; Day, herself, did not even think that she would be capable of portraying one of her all-time artistic heroes. The pair eventually met at the Soho House in West Hollywood, where they connected over a shared fear of this project and a desire to honor Holiday’s legacy.
“We fell in love when we met each other, and it was love at first sight,” Daniels says of his first meeting with Day, who has now won a Golden Globe and earned an Academy Award nomination for her acting debut. “I sent her off to an acting coach [Tasha Smith] and a vocal coach [Thom Jones], and she delivered. There was no way that I could not hire her. She is a special woman. I don’t know that I’ve ever witnessed anything like that in my career; I’ve never seen a transformation or performance like that in my career.”
While the biopic chronicles Holiday’s rise as a prominent singer in New York City’s nightlife and her heartbreaking descent into drug addiction, it is largely driven by Anslinger (portrayed by Troy’s Garrett Hedlund) and the U.S. government’s ruthless takedown of the late jazz singer. In addition to preventing Holiday from obtaining a Cabaret card, which was required to perform in nightclubs, Anslinger hired a Black federal agent named Jimmy Fletcher (Moonlight’s Trevante Rhodes) to infiltrate Holiday’s inner circle. What he didn’t anticipate, however, was that Fletcher would end up falling in love with Holiday, which becomes the other major storyline in the film.
For Rhodes, who grew up listening to Holiday’s music in the South, this film—his “ beautiful passion project”—gave him the perfect opportunity to collaborate with Daniels for the first time and to build another complicated character “from the ground up.”
“There was one book that was birthed from a person who interviewed all of the people who were prevalent in Billie’s life, [but] the fact that we didn’t have so much information on him was so freeing to me,” Rhodes says, later explaining that Fletcher, unlike Holiday, was a person who was born into a lot of privilege. “I had the opportunity to read a few books—obviously the book that the film was birthed from, but a couple of other books as well—in which I saw three pages that had some really incredible dialogue. That gifted me the perspective of his outlook on the world and, really, his ego in a sense.”
While Daniels describes Day’s entire transformation as “God-like,” Rhodes recalls one of the first times that he saw his transformed co-star in all of her glory. “When we got to dinner that one time and I saw her walk in as Billie, she was Billie. As an actor, as a creative, as a performer, when you have someone who is your number one and who is that focused and that into what we have to do, that’s everything you need,” he says.
“I think we just had a natural understanding and a natural chemistry that we were able to tap into with these characters,” Rhodes adds, describing the explosive on-screen chemistry that he shared with Day during her transformation. “I think it was just being open, being present and being emotionally available in the space, and I think people are reacting to that and are more appreciative for it.”
Throughout the film, Holiday and Fletcher share some incredibly intense scenes, starting with a raucous and uninhibited sex scene at the start of their romantic relationship and ending with an emotionally fraught scene with an ailing Holiday on her deathbed. But it is a dizzying four-minute sequence in the middle of the film, where Holiday transitions from getting off a bus to witnessing her first lynching to singing “Strange Fruit” in front of a silent crowd, that will likely serve as one of the most haunting scenes of the year.
“I understand what it’s like to be on a football team because it was really like team sports,” Daniels says, noting that the lynching sequence was shot in one take. “It was the most difficult shot [that] I’ve ever shot before because everybody had to be on point, including the children that were crying. That had to work with the leaves that happened to be blowing in front of us as we were shooting it. Then, the cross and making sure that the cross was lit at the same time and that the woman hanging was hanging right at the same time.
“Every actor was in their place from the time that Billie got off of the bus to the time that she went up on the stage [after going] through that cottage that she walked through—that labyrinth, that maze of utter frustration and pain. It was hard. It was like walking a tightrope because if you made her too vulnerable or too strong or too nasty or too drunk or too high, it would have failed. So, it was really the perfect balance and Andra delivers that with precision. It was a very emotional moment for all of the actors too.”
“She was Billie. As an actor, as a creative, as a performer, when you have someone who is your number one and who is that focused and that into what we have to do, that’s everything you need.” –Trevante Rhodes
For Rhodes, who is also a former standout athlete, the technical and emotional aspects of the sequence were particularly challenging to film for different reasons. “Having that team aspect of the crew and the cast and having to all be on the same wavelength to execute this scene—it was just cool because all we needed was one person to be in the wrong place at the wrong time and we’d lose that whole take,” he explains.
“Then, to speak on the emotional aspect of that scene, it’s hard to go into that because I’m a Black man in America. I grew up in the South, so that essence, that feeling, that smell of whatever that sensation is, that’s something that I know all too well. Just being able to express myself in that way for people to receive it in whatever way they can, it was refreshing and really life-affirming.”
After a year that has seen a significant number of Black history films amid renewed calls for racial justice across the country, Daniels and Rhodes both want to make one thing clear: The hard work has only just begun.
“I think we’ve always been doing it, but understanding the structure of the power is understanding [that] this is what it is,” Rhodes says. “Nobody gives up their position [because] they’re comfortable where they are. That’s how America was birthed, so to change America, it takes more than just a few years, and we’ve only been at this for 100 years.”
“We have the power to do the work; we have the power to change the future,” Daniels says. “It will not be accomplished in our lifetime—I know not—but I do believe that if we are doing the work and we are addressing it, if we are teaching our children and our children’s children are teaching their children, I think change will come for sure.
“If Billie Holiday could do what she did back then, if she could stand up to the U.S. government and make change that many years ago, the least we can do in 2021 is to stand up and to do our part in making change.”
31/01/2021
O Egípcio (The Egyptian), 1954 Michael Curtiz
O Egípcio no iutubi
Sobre Darryl F. Zanuck (1902–1979)
Sinopse
Ao ser encontrado dentro de uma cesta no Rio Nilo, um garotinho é levado para a casa de um talentoso médico, Senmut. Recebendo o nome de Sinuhe, ele se torna um jovem idealista que deseja seguir a carreira militar. No entanto, seu pai adotivo o demove da ideia e ele termina se tornando um médico como ele.
Por outro lado, Sinuhe torna-se grande amigo do enérgico e extrovertido Horemheb, que se prepara para entrar para o exército na mesma escola dirigida por padres. Embora muito diferentes, os dois amigos seguem para o deserto a fim de caçarem leões. Uma vez lá, salvam a vida de um estranho homem solitário que encontram adorando uma imagem esculpida do sol. Na realidade, trata-se do novo e jovem faraó Akhnaton que está pretendendo introduzir no Egito a adoração a um único Deus, o Aten.
Como prova de gratidão, Akhnaton faz Sinuhe médico de toda a família real e Horemheb, um comandante de seu exército. Curtindo a boa vida, certa noite Horemheb leva Sinuhe até a casa de uma cortesã babilônica, Nefer, por quem o jovem médico se apaixona imediatamente. No entanto, a ela só interessa tirar proveito da relação de modo que, ao se cansar de seu jogo, ela simplesmente o rejeita.
Por outro lado, com a ajuda de Sinuhe, Kaptah, um antigo escravo de sua família adotiva, torna-se um homem livre, proprietário de um bar e, tempos depois, um rico comerciante. Entretanto, por ter negligenciado seus deveres, Sinuhe torna-se um homem marcado, foge do Egito e passa muitos anos praticando sua medicina em países estrangeiros.
Ao retornar para casa, ele encontra o Egito com sérios problemas, tendo Akhnaton perdido o respeito dos militares, além de sua nova religião estar dividindo o país. Adicionalmente, o fato de a rainha Nefertiti ter sido capaz de dar a luz apenas a meninas, só faz complicar ainda mais a vida do faraó. Este, finalmente, consegue dar o herdeiro de que o país tanto precisa através de seus relacionamentos com outras esposas e uma concubina.
Sinuhe descobre ainda que Horemheb está tramando contra o faraó ao lado da ambiciosa princesa Baketamon. Na rebelião que se segue, Merit, que sempre foi sua grande amiga e por quem se apaixonara, é morta quando o templo de Akhnaton é saqueado, ocasião em que Sinuhe perde também o seu jovem filho Thoth. Finalmente, ao ser revelado que ele é na verdade meio-irmão do faraó, Sinuhe percebe como ele havia comprometido todos os seus princípios e decide partir para iniciar uma vida solitária no deserto, desprovido de família ou amor.
Comentários
Baseado num livro de Mika Waltari, “O Egípcio” é um bom filme norte-americano dos anos 1950. Realizado pelo consagrado cineasta Michael Curtiz, sua trama se passa no antigo Egito, por volta de 1.500 anos antes de Cristo, quando o faraó Akhnaton impõe ao seu povo a primeira religião monoteísta de que se tem conhecimento, segundo a qual o único ser a ser adorado seria o Sol.
Curtiz realiza um bom trabalho na direção. A história, marcada por personagens apaixonantes do início ao fim, prende a atenção do espectador até a última cena. A trilha sonora de Alfred Newman e Bernard Herrmann é, sem dúvida alguma, um dos pontos fortes deste épico. Os cenários e a fotografia são dois outros quesitos que merecem ser destacados. Finalmente, não poderia deixar de citar o seu belo elenco, marcado por atores do porte de Michael Wilding, Jean Simmons, Gene Tierney, Victor Mature, Edmund Purdom e a estreante Bella Darvi que, em seu primeiro longa-metragem, arrebata o prêmio Globo de Ouro de Melhor Revelação Feminina.
01/02/2021
Falling, 2020 Viggo Mortensen
Viggo Mortensen Delves Into His Directorial Debut Falling with Co-Star Lance Henriksen
02/02/2021
Ya no estoy aqui, 2019, Fernando Frias
Crítica
Ya No Estoy Aquí traça um retrato realista e atual sobre a violência nas comunidades pobres no México e a falta de oportunidades nos EUA.
Em seu segundo longa-metragem de ficção, o diretor Fernando Frias faz questão de enfatizar a falta de perspectivas tanto nas favelas de Monterrey, no México, como no bairro de Queens, em Nova York. Nesse sentido, ele alterna sequências que acontecem nos dois lugares, sempre acompanhando o protagonista Ulisses, de 17 anos. E as duas sequências acontecem com apenas seis meses de intervalo temporal.
De Monterrey a Queens
Inicialmente, Ulisses está em Monterrey, onde vive nas comunidades pobres, que possuem vielas estreitas com muros altos que parecem corredores de prisão. Então, com seu penteado original e atitude provocativa, ele circula pelo bairro com autoestima alta. Afinal, ele é um dos principais membros do grupo chamado Terkos, unidos pelo amor à música cumbia, também chamada de kolombia. Juntamente com seu visual, Ulisses também chama a atenção por ser um ótimo dançarino desse estilo.
Porém, esse seu microcosmo logo irá desabar. Quando uma gangue violenta invade o bairro e exige que os antigos líderes não interfiram em seus negócios ilegais, Ulisses passa a correr perigo. Por isso, sua família se muda de casa e ele foge para os Estados Unidos.
Contudo, sem saber falar inglês, Ulisses não se adapta à vida em Nova York. Apesar de ser acolhido por uma jovem chinesa de 16 anos, a dificuldade de se comunicarem acaba minando a possibilidade de uma amizade. Eventualmente, ele se sente como um animal exótico, devido ao seu visual. Por fim, ele será deportado, e terá a chance de recomeçar sua vida em Monterrey, onde seu bairro já está, definitivamente, dominado pela gangue que o expulsou.
Análise
Apesar de Ya No Estoy Aquí apresentar algumas sequências de dança um pouco longas demais, o filme encanta pelo rebuscado estilo visual do diretor Fernando Frias. Nesse sentido, ele investe bastante em movimentos de câmera que ora se aproximam, ora se afastam do objeto principal, dependendo da intenção narrativa.
Adicionalmente, os enquadramentos apontam para significados intrínsecos à estória. Por exemplo, Ulisses se sente carente após ser rechaçado pela mãe ao telefone, e tratado como um animal num zoológico numa festa. Então, ele recorre a uma prostituta mais velha que ele conheceu dias antes. E, na cena em que ela o acolhe, vemos os dois através de uma janela de um diner. Tal qual Steven Spielberg, ele utiliza a forma redonda dessa janela para representar a mãe, como apontou a crítica de cinema Clélia Cohen em “Steven Spielberg” (Coleção Master of Cinema, p. 73).
Por fim, o filme destaca o amadurecimento do seu protagonista. Na verdade, um amadurecimento acelerado pela situação extrema pela qual passa em menos de um ano. Por fim, ao retornar para sua comunidade, ele já deixou seu visual exótico para trás, e observa à distância os antigos companheiros. Afinal, ele não é mais um terko. Ele é Ulisses.
Ya No Estoy Aquí foi escolhido pelo México como seu representante na disputa do Oscar de melhor filme internacional.
Ficha técnica:
Ya No Estoy Aquí (Ya No Estoy Aquí) 2019. México/EUA. 112 min. Direção e roteiro: Fernando Frias. Elenco: Daniel Garcia, Xueming Angelina Chen, Sophia Metcalf, Coral Puente, Jonathan Espinoza, Adrian Arbeales, Brandon Stanton, Fanny Tovar, Tania Alvarado, Yesica Silva.
Eduardo Kaneco, 22/01/2021
03/02/2021
Na Teia do Destino (The RecklessNa Teia do Destino), 1949, Max Ophuls
Na Teia do Destino no iutubi
Embora encontremos um filme americano de 1950 (Vendetta) co-assinado por Max Ophüls, sua despedida dos Estados Unidos aconteceu de fato em The Reckless Moment, de 1949. A participação do diretor em Vendetta durou apenas uma semana e meia em agosto de 1946, quando foi demitido do cargo, sendo o primeiro de cinco diretores que assinariam um pedaço do filme, lançado, como já dito, apenas em 1950. Em sua curta carreira nos Estados Unidos, o diretor nos deixou dois filmes memoráveis, o primeiro, Carta de uma Desconhecida (1948); e o segundo, Na Teia do Destino, objeto da presente crítica.
Baseado na história The Blank Wall, escrita por Elisabeth Sanxay Holding para o Ladies Home Journal, o filme explora um conflito ético e moral de uma forma bem distinta daquela que normalmente se espera de um noir, primeiro pelo foco dramático colocado em uma mulher — a mãe de família e não femme fatale Sra. Lucia Harper, interpretada maravilhosamente por Joan Bennett — e depois pela forma despreocupada com que o diretor explora o problema central, que começa com um ato de rebeldia da filha mais velha e termina com a mãe tendo que resolver todos os problemas sozinha, numa situação em que escala rapidamente para problemas secundários derivados de um momento imprudente.
Max Ophüls sabe trabalhar com primazia o seu elenco de apoio, dando-nos um grande contraste entre o que parece ser uma família feliz e a possibilidade de sua dispersão por conta da morte de um homem. É a partir desse cenário bem estruturado (semelhante à família de A Sombra de Uma Dúvida, silenciosamente ameaçada pela chegada do tio Charlie) que acompanhamos os afazeres de todos no dia a dia, e tendo o conhecimento dessas ações comuns é que passamos a temer cada chegada de um novo indivíduo em cena, pois ele pode trazer uma ameaça para essa normalidade. Dos coadjuvantes da casa, o maior destaque é do caçula da família, David (David Bair), mas todos possuem uma boa interação e bons diálogos, criando uma espécie de contraste duplo: o caráter realista da vida dos Harper tem como antítese a direção de arte meio barroca para as internas na casa, e esse “estranho par” tem um contraste ainda maior quando há um crime que o ronda e ameaça.
No derradeiro ato, o dilema moral toma conta e o filme deixa às claras o seu objetivo: expor a hipocrisia do pensamento das instituições como um todo, especialmente da família. A primeira discussão surge em torno de permitir ou não que um homem seja culpado por algo que ele não fez (mesmo tendo feito muitas outras coisas ruins) e termina tocando em outras questões como a fidelidade no casamento e condições ou aceitação de escalas da justiça — quer a lei tenha conhecimento dos “crimes domésticos”, quer não. Na Teia do Destino é um filme simples. A montagem salienta o tom de crônica e a discussão maior vem no final, após algumas sequências sugerirem um desvio para algo menos interessante, como a investigação direta do assassinato que dá origem a tudo. Mas o texto volta a atenção para a família e é nela (e no veneno em seu seio) que permanece até o fim, talvez sentimental demais em torno do personagem de James Mason no desfecho, mas ainda assim, sustentando o seu imenso valor dramático e valorizando sua abordagem diferente para um gênero tão cheio de possibilidades como o noir.
Na Teia do Destino (The Reckless Moment) — EUA, 1949
Direção: Max Ophüls
Roteiro: Henry Garson, Robert Soderberg (baseado em história de Elisabeth Sanxay Holding)
Elenco: James Mason, Joan Bennett, Geraldine Brooks, Henry O’Neill, Shepperd Strudwick, David Bair, Roy Roberts, Frances E. Williams, William Schallert, Kathryn Card
Duração: 82 min.
Luiz Santiago 17 de março de 2020
04/02/2021
Nas Garras da Fatalidade (They Made Me a Fugitive), 1947, Alberto Cavalcanti
Nas Garras da Fatalidade no iutubi ou aqui
... Em um episódio mais feliz, o thriller noir de Cavalcanti Nas Garras da Fatalidade (They Made Me a Fugitive, 1947) é uma contribuição concisa e interessante a um gênero dominado por americanos (mesmo os melhores noirs britânicos costumam ser trabalhos de americanos fugindo da caça às bruxas). Partindo de um início forte, em que um amargo ex-militar (o intenso Trevor Howard) cai na vida do crime, o filme busca força na doce inocência da heroína Sally Gray e na maliciosa vilania de Griffith Jones como o gângster Narcy (apelido de Narcissus). A eficiência de Jones no papel pode dever um pouco à sua própria amargura – "Ninguém quer mais saber de atores sinceros", ele reclamaria a um amigo meu depois de alguns drinques.
O filme continua a ser eficiente até o seu clímax, quando de súbito decola para um brilhantismo com um tiroteio em um quarto cheio de caixões, uma queda do teto vista por câmera subjetiva e uma seqüência final tremendamente romântica. Com material inspirador, Cavalcanti poderia criar seqüências visuais do nóvel de grandes nomes do cinema Britânico, tais como Lean, Reed ou Powell.
Tendo dado ao cinema britânico alguns bons filmes e algumas obras-primas, Cavalcanti continuou. Eu devo deixar para outros contarem suas aventuras subseqüentes no cinema – mas eu lerei o que têm a dizer com muito interesse, para me ajudar a construir uma idéia melhor desse fascinante gênio itinerante do cinema mundial.
CONTRACAMPO
05/02/2021
Órfãs da Tempestade (Orphans of the Storm), 1921
Órfãs da Tempestade no iutube
Lançado em 1921, e sendo uma adaptação da peça Les Deux Orphelines, de Adolphe d’Ennery, Órfãs da Tempestade se faz como uma ode à burguesia, introduzindo uma visão idealizada da história para compor o seu drama-histórico, se é que podemos dizer assim. Quase como uma épica, o diretor constrói uma viagem através do declínio do regime monárquico na França ao mesmo tempo em que narra uma belíssima história de amor parental, explorando distintas camadas da noção de Fraternidade, um tema tão caro à revolução e à recente democracia.
A história se desenvolve ao redor de duas irmãs de criação, Henriette (Lillian Gish) e Louise (Dorothy Gish), que são unidas pelo destino, mas o mesmo destino que as uniu também as separa. Louise é filha de uma relação entre a condessa de Liniere (Catherine Emmet) e um plebeu, diante disso, a nobreza jamais admitiria que um filho gerado através de uma relação tão vil e baixa, como a que se deu, pudesse vir à público. Assim, Louise é tirada dos braços de sua mãe e entregue para uma família do baixo estado – a qual pertence Henriette, filha única de um casal de proletários. O destino unia, deste modo, Henriete e Louise, que, a partir de então, construíram uma relação muito bonita de irmandade e cumplicidade. Fato é que com Louise cega, acometida por uma doença, fica a cargo de Henriette o cuidado com a irmã. Aos poucos a direção introduz a noção de fraternidade e igualdade nas entrelinhas fílmicas.
Na viagem à Paris que as irmãs fazem, na tentativa de encontrar a cura para a cegueira de Louise, o destino acaba separando as duas, através da maldade de um nobre que cresce o olho sobre Henriette, que a sequestra e a separa de sua irmã cega, que fica perdida em Paris, sozinha, em estado de mendicância. O encontro das irmãs é o que move toda a narrativa, e é para lá que o filme se encaminha na construção das suas peripécias e reconhecimentos.
Há um trabalho primoroso por parte das irmãs Gish, que têm um entrosamento absurdo, transmitindo um amor muito puro nesta relação parental, fraternal. O ponto alto fica justamente pela atuação mútua das atrizes. A construção cênica é muito bem trabalhada, bem como o trabalho de montagem é excelente. Toda a ambientação em retorno ao século XVIII é muito verossímil. A forma do drama épico proposta por Griffith é um marco na história do cinema, e Napoleão, de Abel Gance, encontra aí a estrutura de seu épico, tamanha a influência do cinema griffithiano.
A película discute algumas questões pertinentes à moral e utiliza de alguns personagens para ilustrar uma espécie de tirania do ser humano, que não se restringe apenas ao âmbito político, mas a todos. A presença da velha mendiga que captura Louise é uma alegoria clássica da maldade humana, ao passo que a nobreza é a outra parte dessa miséria de espírito, por isso que ela é derrubada. D.W Griffith também expõe os horrores da França pré-revolucionária e dos excessos da corte, que levaram a população à fome generalizada, resultando na tomada da Bastilha.
Mas também não posso deixar de notar a representação burguesa e norte-americanizada que o filme apresenta. É um fato que a Independência dos Estados Unidos influenciou, e também propagandeou, a Revolução Francesa, e Griffith deixa isso explícito. Mas também a direção entra no ritmo da badalada Revolução Russa, ocorrida em 1917, para tecer críticas ao bolchevismo e ao regime socialista e isto é exposto logo no prólogo da obra. A direção constrói a sua camada ideológica de modo muito sutil e bem articulado, insinuando, por signos, que a fraternidade é, evidentemente, burguesa.
Questões relativas à justiça são postas a todo momento, sobretudo na cena final em que Henriette é julgada pelo povo por se envolver com alguém da nobreza. Ela deverá pagar com a vida pelo seu apaixonamento? Se a nobreza está sendo dilacerada, guilhotinada, a esta altura da História, por ir contra o povo, então, Henriette deve, também, por osmose, pagar por isso? Fica a questão, que é respondida pelo próprio desenrolar do longa.
Uma película histórica e dramática, o filme de D.W Griffith é um lugar absolutamente interessante para quem tem interesse na visão cinematográfica sobre a História enquanto disciplina, visto que personagens históricos como Robespierre e Danton são movidos dentro da trama. Singular e pioneiro, Griffith entrega uma obra marcante e referencial na história do cinema.
Órfãs da Tempestade (Orphans of the Storm, EUA, 1921)
Direção: D.W. Griffith
Roteiro: D.W. Griffith
Elenco: Lillian Gish, Dorothy Gish, Joseph Schildkraut, Frank Losee, Catherine Emmet, Morgan Wallace, Lucille La Verne, Frank Puglia, Sheldon Lewis, Creighton Hale, Leslie King, Monte Blue, Sidney Herbert, Lee Kohlma, Louis Wolheim
Duração: 150 min.
Fernando JG, 16/02/2021
06/02/2021
O Poder do Ódio (Slightly Scarlet),1956, Allan Dwan
O Poder do Ódio no iutubi
Adaptado de um romance de James M Cain, Slightly Scarlet conta a história de uma cleptomaníaca posta sob a custódia da irmã, que é secretária de um político. Isto serve de pretexto para que um grupo de criminosos tente fazer chantagem ao político, mas as coisas complicam-se quando um criminoso arrependido se apaixona por uma das irmãs. O filme foi feito em Technicolor e a fotografia é um prodígio, usando as cores de modo semelhante aos jogos de sombra e luz do Film Noir preto e branco.
07/02/2021
Kapaemahu, 2020, Dean Hamer, Joe Wilson e Hinaleimoana Wong-Kalu
Este curta concorre ao Oscar 2021. Revela o poder curativo de 4 pedras misteriosas na praia de Waikiki e os lendários espíritos masculinos e femininos duplos dentro delas.
Onde assistir: iutubi Hawaii 2 Hollywood: Kapaemahu makes history in the race for an Academy Award
by: Kristy Tamashiro
Posted: Mar 3, 2021
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HONOLULU (KHON2) – The composing, animation, and powerful storyline of Kapaemahu has earned the film a spot in the race for an Academy Award.
“To know that it would make it as far as the Oscar Awards is just absolutely fantastic and phenomenal for us,” said Hinaleimoana Wong-Kalu, the director, producer, and narrator of Kapaemahu.
The movie is breaking into the Oscars scene, making history as the first Hawaiian film to clear the shortlist for best animated short film.
“It speaks about four legendary healers. They were real people that became legendary, because of the healing knowledge and skill they brought with them. They just so happened to be four individuals who are known to be mahu. They were embraced and loved by the people. So what it tells us is the kanaka culture has room and a place of understanding.”
Kapaemahu is narrated by Kumu Hina, a Na Hoku Hanohano Award winning cultural leader.
“It was critical to me to ensure that the voice was going to reflect a voice, not the voice, but a voice of kanaka and who best to help narrate the story of four legendary mahu then someone who is also mahu?”
Next up, another round of voting by the Academy for an official Oscar nomination. But there’s something more meaningful to the Kapaemahu filmmakers than any award.
“The honor and the dignity and the name of my people, the kanaka, my fellow Hawaiians, and the respect of our islands is uplifted. Perhaps maybe just one person at a time would be helped or supported or would enrich somebody else’s life. That to me means more than any award that we could ever receive.”
Film critics are already calling Kapaemahu a front runner for the Oscars. The 93rd Academy Awards is slated for April 25.
07/02/2021
Aníbal, O Conquistador (Annibale), 1959, Carlo Ludovico Bragaglia e Edgard G. Ulmer
Aníbal no iutubi
Depoimento de Ulmer a Peter Bogdanovich
Ulmer: É um típico filme de época. Eles cortaram a mimha melhor cena. Eu tinha escrito o roteiro, mas havia um problema que me intrigava: não conseguia encontrar qualquer documentação ou explicação de por que Aníbal não tomou Roma depois de derrotar o exército romano em Canas - o lugar fica apenas a alguns quilômetros ao norte de Roma. Não tinham sobrado mais que dez soldados. Depois da batalha, o homem se desviou durante trinta ou 35 dias e depos se dirigiu a Pompéia, onde começou tudo de novo. Por fim, cheguei à solução de que aquele homem representava uma civilização moribunda, os cartagineses; ele tinha uma educação fantástica e sabia que a sua civilização estava morrendo; sabia também que a ideia da democracia para a Rebública Romana era o caminho, e não conseguiu se forçar a destruir aquilo: era o futuro. Foi por isso que Cartago não o deixou retornar. Foi por isso que teve de cometer suicídio, cinco anos depois. Na verdade o argumento deveria ter sido a tragédia de um homem naquele momento histórico; quando ele vê a sua própria sociedade morrer e vê com seus próprios olhos o bem que virá, não consegue destrui-lo. Mas Warner Brothers jogou isso fora - era filosófico demais. Era descabido.
Peter pergunta: você chegou a filmar isso? Ulmer responde: não, não me deixaram, a Warner me impediu. "Em vez de espetáculo" eu disse a eles, "deixem-me contar uma história humana. Em vez de andar a cavalo e atravessar os Alpes com elefantes...". Mas perdi. Havia noventa elefantes na maldita coisa, neve, gelo e 30 mil pessoas.
Peter Bogdanovich, Afinal quem faz os filmes (2000). p. 665, Companhia Das Letras
08/02/2021
Mr. Jones (A Sombra de Stalin), 2019, Agnieszka Holland
A estrutura é simples e funcional dentro dos códigos hollywoodianos: temos a jornada do herói que luta sozinho contra todos, o homem que arrisca a própria vida em nome da verdade, além de um sujeito puro, dotado de uma ingenuidade quase infantil. Enquanto a opinião pública demonstra conhecimento velado dos conchavos e atos de violência, Jones ainda acredita cegamente nas versões oficiais dadas pelos governos, até testemunhar o horror com seus próprios olhos. Mr. Jones busca funcionar como um tapa na cara do público, que se supõe tão ignorante em história e geopolítica quanto o corajoso jornalista do título.
Percebe-se que a diretora Agnieszka Holland não trabalha em um terreno de sutilezas. Os homens bons são profundamente bons, os malvados são perversos até não poder mais. O filme opera como as imagens de pulmões corroídos no verso de maços de cigarro, buscando conscientizar pelo choque. Chegando à Ucrânia, Jones encontra crianças passando fome, alimentando-se da carne dos mortos, enquanto cadáveres de mães e filhos abraçados encontram-se jogados na rua, ao olhar de todos. Cada cena grita horror e desumanidade, para não deixar dúvidas ao espectador sobre qual lado apoiar e qual lado repudiar.
Esta abordagem possui, ao menos, o mérito da clareza. A cineasta, acostumada aos filmes e séries sobre a ligação entre a política e a guerra, transparece a vocação pacifista e a necessidade de encontrar heróis que, talvez, motivem novas pessoas a reproduzir a iniciativa quixotesca contra o sistema. Por esta razão, não basta ter um protagonista historicamente relevante: Jones é transformado num homem atraente, de fortes instintos morais, que não bebe e ainda seduz a mocinha (Vanessa Kirby) quando tem a oportunidade. O protagonista é representado como figura ideal e modelo de masculinidade a que o público poderia aspirar – uma idealização grosseira, claro, mas como poderia ser diferente numa estrutura maniqueísta?
Apesar das padronizações, Holland esforça-se para superar a rigidez típica das reconstruções de época e das cinebiografias. A câmera se contorce em plongés e contra-plongés, as imagens permitem borrões nas cenas de movimento, câmeras lentas, montagens fragmentadas em exposições históricas e mesmo a inserção rápida de filmes mudos soviéticos, no melhor estilo Dziga Vertov. Embora estes recursos não soem propriamente inovadores ou contestadores, eles conseguem atenuar a previsibilidade do resultado e fornecer um ou outro momento espetacular, a exemplo do plano-sequência com James Norton correndo sobre a neve durante longos minutos.
Por fim, Mr. Jones revela-se moderadamente interessante ao ressaltar que o jornalista não apenas denunciou a miséria inaceitável sofrida pelo povo sob o governo stalinista, mas também viveu a fome e o frio na própria pele, argumentando portanto com conhecimento de causa. Sempre haverá um componente sádico, ou pelo menos ingênuo, nos filmes-choque que buscam fazer o espectador se sentir “exatamente como se estivesse no local”, com o máximo de cadáveres e sangue possível. A simulação do horror nunca será tão intrigante quanto a representação do mesmo. Ainda assim, enquanto veículo de informação que pretende ser, o projeto cumpre o seu papel.
10/02/2021
Juno, 2007, Jason Reitman
Juno MacGuff (Ellen Page) vive o auge da rebeldia dos 16 anos de idade quando descobre que engravidou de um colega de sala, Paulie Bleeker (Michael Cera). Após alguns testes para confirmar a notícia, Juno conversa com sua melhor amiga, Leah (Olivia Thirlby), para pensarem no que fazer. Após considerar fazer um aborto, Juno decide que o melhor para ela e para a criança seria procurar algum casal que não tem filhos e queira adotar o bebê, carinhosamente chamado por Juno de “the thing” (a coisa). É aí que a adolescente encontra no jornal Vanessa (Jennifer Garner) e Mark (Jason Bateman), um casal disposto a ficar com a criança. A partir daí, Juno vive os nove meses de gravidez meio a confusões e situações que precisarão de muita maturidade.
O roteiro de Diablo Cody é simples. A temática não é nova, muito menos a forma de abordá-la. O diferencial é que Cody consegue criar personagens realmente interessantes que se saem bem em seus momentos. A principal, Juno, é que sintetiza praticamente todo o mérito do longa, provando o talento irremediável de Ellen Page. Cody traz diálogos com humor, com tragédia e, o que seria mais importante, espontaneidade. A forma como a trama se desenrola é previsível, porém apaixona o público pela sensibilidade do enredo e carisma da protagonista.
Juno é uma menina imatura, que decide dar o bebê para adoção não por se sentir incapaz de criá-lo, mas pelo fato de que não quer e não tem responsabilidade para isso. A visão de Juno acerca da gravidez é ácida, como uma forma de refúgio para amenizar o que está vivendo. Ela não se importa com a situação, ela quer apenas fugir do que vive. Ao mesmo tempo em que é imatura, Juno vive um paradoxo interessante com a maturidade. Em algum canto daquela menina há consciência dos seus atos, que não serão amenos e que ela prefere não pensar. Além da lição da gravidez precoce que o roteiro aplica, o que mais funciona é o fato de saber até onde o ser humano é capaz de ir para se beneficiar ou beneficiar os outros; até onde as relações se desenvolvem para criar um convívio decente.
Ellen Page está magnífica. Aos 21 anos na vida real, a atriz tem uma grande capacidade de interação com todas as situações que sua personagem precisa enfrentar, dispondo de muita improvisação e tiques que funcionam com o papel. Sua forma de encarar a gravidez é peculiar, trazendo risadas que, muitas vezes, são descartadas pela péssima legenda que o filme ganhou. Suas respostas rápidas e a necessidade de ter uma vida coerente fazem de Juno uma pessoa carismática para o público. Page certamente se fixa no cenário dos grandes astros do momento que serão responsáveis por uma época do cinema em que, seja em filme independente ou comercial, a criatividade cai, mas os conceitos algumas vezes voltam renovados. Neste caso, é essencial para um ator ter desenvoltura para não viver os mesmos personagens. Page é versátil e sabe como tocar quem assiste, seja com o humor ou com o drama. O ato final, até então em aberto para o público, mostra o quanto o roteiro não poupa do realismo e o quanto Page é cativante.
Mesmo que o filme seja de Page, a contribuição do resto do elenco também é memorável. Michael Cera faz de Bleek o típico jovem tímido que não teria a idéia de se envolver sexualmente com sua colega de sala. Cera transita bem no silêncio de seu personagem e repreende Juno quando precisa. A simpatia de Bleek vem pela impossibilidade posta de ele ajudar na decisão de Juno, mesmo deixando claro que ela poderia decidir o que quisesse. Mesmo jovem, Bleek tem seu momento na gravidez, como qualquer pai, e é vítima do egoísmo premeditado de Juno de cuidar da situação sozinha.
Ainda no elenco, a participação de Jennifer Garner não requer muito da atriz, a não ser ao retratar seus maneirismos e organização como dona de casa, o que não influi em nada na trama, a não ser parcialmente no relacionamento com seu marido. Jason Bateman atrai muito mais a atenção em cena não só pelo convívio com a esposa, mas pela relação particular que desenvolve com Juno. Entretanto, é um dos personagens mais prejudicados, por não conseguir convencer o público de suas decisões no clímax da trama. J.K. Simmons e Allison Janney como o pai e a madrasta de Juno são prejudicados pelo excesso de compreensão com a situação, abrindo o debate se todos os pais agiriam da mesma forma. Mesmo com esse contraponto, Simmons e Janney são excelentes em cena, sem nunca deixar de demonstrar o amor pela filha, principalmente Janney na condição de madrasta.
O responsável por transformar os momentos imperdíveis do roteiro em imagens é Jason Reitman, que conseguiu se destacar após o ótimo “Obrigado Por Fumar”. Sabendo melhor do que ninguém lidar com situações difíceis e humor negro, o diretor faz um trabalho regular e engrandece a história, apesar de não investir no filme nenhum toque realmente inesquecível. Reitman faz o básico e fica nisso. Para engrandecer a condução, Reitman traz uma trilha sonora que agrada em geral, tanto pelas escolhas e referências musicais citadas no roteiro, quanto pela forma com que os personagens falam de música. As cenas de Juno discutindo sobre música e cinema com Mark são simplesmente ricas em seu conceito.
Mesmo não sendo um filme surpreendentemente bom, “Juno” é gracioso e conquista por isso. As indicações ao Oscar fazem da película uma comédia necessária para pessoas de todas as idades. Os méritos ficam com as excelentes tiradas do roteiro de Diablo Cody e a atuação do elenco, principalmente de Ellen Page. “Juno” é um filme de atores e diálogos que correm rápido do humor para o drama e fica impossível não se envolver com a situação. Nada mais do que um bom filme.
Diego Benevides, Cinema com rapadura
13/02/2021
Aru kyôhaku (Intimidation), 1960, Koreyoshi Kurahara
Aru kyôhaku no iutubi
NYFF: Intimidation (1960)
Edward Champion, September 19, 2011
Many film buffs rightly point to Akira Kurosawa’s High and Low (based on Ed McBain’s King’s Ransom -– an 87th Precinct police procedure novel) as proof positive that 20th century Japanese cinema had the nuts and bolts to make the mystery genre its own. If High and Low can be likened to Double Indemnity, then Koreyoshi Kurahara’s Intimidation -– a brisk and highly enjoyable 65 minute film about botched blackmail playing as part of a Nikkatsu celebration at the New York Film Festival -– suggests a scrappy film noir bankrolled by RKO.
Despite their differences in budget and running time (which could very well be directly proportional), both films carry striking similarities. They both involve upwardly mobile executives, on the cusp of influencing corporate direction through somewhat idiosyncratic cunning, who are forced to contend with a criminal scheme introduced by an apparent outsider. Yet in their own distinct ways, both High and Low and Intimidation have interesting points to make about reputation. Kurosawa offered a timid chauffeur staring at the big man’s shoes, suggesting that all inside the circle are at the behest of outside forces. For Kurahara, corruption and deceit are contained within the system, with the police entering into the narrative after all the pros have failed: not unlike the diffident manner that the United States has responded to avaricious bankers in recent years. Kurahara introduces a seemingly meek clerk named Nakaike (Akira Nishimura, who, with his sad look and timorous eyes, may be Japan’s answer to the great character actor Elisha Cook, Jr.) who has been under a bank manager’s (Takita, played by Nobuo Kaneko) spell for years thanks to a few ruthless setbacks. Nakaike long-hoped for something close to an equal footing, especially since he had a shot at being where Takita is now. But, of course, it isn’t just bitter memories. In one heartbreaking scene, Takita humiliates Nakaike over “security training” that has gone awry. That this self-serving moment comes after Kurahara has asked us to sympathize with Takita is something of a surprise. But the unanticipated ace up Nakaike’s sleeve is so viscerally rewarding that I cannot possibly reveal it!
Intimidation begins with a suitably mysterious image: a man with a gun, a fedora, and a cigarette in his mouth opening the service entrance door of a bank and asking for the sub-manager. Takita, the sub-manager in question, is too busy partying it up with the branch manager, geisha girls, and asking subordinates such as Nakaike to dance on command. He’s about to land a promotion. But Takita does get the message when he meets with the blackmailer, who has evidence that he authorized several illegal loans. Takita is asked to cough up three million yen the day after tomorrow. The blackmailer suggests that he rob his own bank. Because nobody would expect “the lighthouse to shine on itself” and this is the kind of move that you wouldn’t expect in a detective story (okay, not really; but give the filmmakers some credit for momentum!), Takita agrees to the deal.
What makes Intimidation engaging is the way that it uses class trappings to buttress the robbery. Why indeed would a sub-manager rob his own bank? We get the sense that it isn’t necessarily the blackmailer’s pressure, but the sub-manager’s quiet arrogance that gets him to rob the bank, wearing a sketchy disguise and donning a cigarette lighter in the form of a gun. But, of course, he screws up the robbery from the outset, cracking his sunglasses not long before putting on his feeble costume. Takita is so flagrant in his plans (getting the clerk on night duty drunk the night before) that we begin to wonder why nobody else can see his moves. (Hilariously, the branch manager even confesses, “I don’t understand much about this business.” In light of Reed Hastings’s recent disastrous moves with Netflix, I couldn’t help but ponder contemporary parallels days after seeing this movie.) But Intimidation also proves surprisingly smart in this capacity, knowing very well that there are climbers embedded within the bank and that those who are spurned hardly depart with ease.
While Intimidation appears to have been made somewhat on the cheap (the bank’s brick walls look quite fake), this flimsy décor somehow works to the film’s advantage, almost as if Takita’s position is just as tenuous. This may have something to do with the crackerjack story, the film’s fixation on camera dollies over zooms, and Kurahara’s understated direction, which is especially good on the acting front. After all, if we can’t believe in a bank manager’s integrity, we wouldn’t be so drawn into the story. Perhaps there are some common verisimilitudinous qualities about art and business that help sustain the illusion.
16/02/2021
Sua Única Saída (Pursued), 1947, Raoul Walsh
Sua Única Saída no iutubi
“Sua Única Saída” é um daqueles filmes que, mesmo com furos graves no roteiro, consegue ser interessante até o final. O motivo talvez sejam as ótimas atuações do quarteto principal (Robert Mitchum, Teresa Wright, Judith Anderson e Dean Jagger). É isso é ainda mais relevante se levarmos em conta que alguns deles interpretam personagens um tanto incomuns em suas carreiras. Robert Mitchum, por exemplo, sempre associado a personagens cínicos e pouco confiáveis, interpreta um Jeb Rand isento de qualquer pecado. Já Teresa Wright, que nos acostumamos a ver em papéis de moça pura e amável, tem aqui seus instantes de vilania.
Mas quem rouba todas as cenas em que aparece (e isso já é normal para quem conhece outros filmes dela) é Judith Anderson. Sua personagem, a matriarca da família Callum, que adota o pequeno Jeb Rand e o cria juntamente com seus filhos Adam e Thorley (Teresa Wright), após acontecimentos que só se esclarecem ao final do filme, é praticamente a central da história.
A fotografia do filme, do respeitado James Wong Howe, dá mais uma pincelada noir no filme, abusando de sombras e contrastes. Particularmente interessante é a cena de um enterro, extremamente bem iluminada e destoante de todo o resto, passando a idéia de um devaneio do protagonista.Poror Alexandre Cataldo
18/02/2021
A Audácia é a Minha Lei (Tennessee's Partner), 1955, Allan Dwan
A Audácia é a Minha Lei no iutubi
Um jogador duro e mulherengo, conhecido apenas como Tennessee (John Payne), mantém um relacionamento desconfortável com "Duquesa" (Rhonda Fleming), dona um bordel mal-disfarçado. Ele é salvo da morte por um cowboy solitário (Ronald Reagan), que está na cidade para encontrar Goldie (Coleen Gray), sua noiva, num barco a vapor. Quando ela chega, há uma ligação misteriosa entre Goldie e Tennessee, cuja recente amizade com o cowboy está destinado a ser severamente provada..
21/02/2021
Folhas Mortas (Autumn Leaves), 1956, Robert Aldrich
Folhas Mortas no iutubi
Sinopse
Em Los Angeles, Millicent Wetherby é uma solteirona solitária que passa o dia trabalhando como estenógrafa, no condomínio onde mora. Quando um de seus clientes lhe presenteia com um ingresso para um concerto, como reconhecimento por um trabalho bem feito, ela o assiste sozinho. A música melancólica a faz relembrar de um tempo, anos atrás, quando ela sacrificou o amor de um pretendente, em potencial, para cuidar de seu pai doente. Depois do concerto, ela entra num Café, repleto de clientes, e se senta na última mesa disponível.
Depois que ela escolhe a canção “Autumn Leaves" numa máquina de jukebox, Burt Hanson, um jovem bem apessoado, entra no Café e, percebendo um lugar vago na mesa de Milly, pede licença para se juntar a ela. Depois que Milly relutantemente consente, numa tentativa de puxar conversa, Burt comenta que ela parece solitária e afirma que, tendo sido dispensado do exército, mudou-se para Los Angeles em busca de emprego. Algum tempo depois, quando Milly se prepara para deixar o Café, Burt insiste em acompanhá-la até a casa dela e a convida para a praia no dia seguinte. Embora inicialmente relutante, Milly termina aceitando o convite e, na manhã seguinte, os dois vão à praia e acabam se abraçando apaixonadamente.
No final do dia, no entanto, Milly adverte Burt para sair com alguém de sua idade, pedindo-lhe para não voltar a procurá-la. Depois de um mês de dias solitários e noites mal dormidas, ao entrar em seu condomínio, ela ouve a canção “Autumn Leaves" vindo de seu apartamento e, ao chegar em casa, ela encontra Burt a esperá-la. Quando ele a convida para um filme e um jantar em comemoração ao seu novo emprego em uma Loja de Departamentos, Milly hesita até que ele lhe assegura que está se encontrando com mulheres da idade dele, achando-as todas muito jovens. Durante o intervalo do filme, Burt abruptamente anuncia que deseja se casar com ela e a pressiona por uma resposta. Atordoada, Milly o chama de impulsivo e insiste em voltar para casa. No entanto, quando ele se despede e começa a ir embora, ela muda de ideia e aceita sua proposta.
Impaciente, Burt sugere que se casem no México no dia seguinte, mas quando ele afirma, na licença de casamento, que Chicago é seu local de nascimento, Milly mostra-se confusa porque ele antes lhe contara que nascera em Wisconsin. Duas semanas mais tarde, Burt a cobre com presentes e afirma ter sido promovido a gerente. Quando um dos clientes de Milly, Coronel Hillyer, a procura para deixar um manuscrito, Burt discute suas experiências de combate com o oficial, deixando Milly perplexa, que acreditava que seu marido teria servido em uma divisão de não combatentes. Depois que Burt sai para o trabalho, uma senhora bate à porta e se apresenta como sendo sua ex-mulher, Virginia.
Como Burt lhe havia dito que nunca se casara, Milly afirma que deve haver um engano, até que Virginia lhe mostra uma fotografia de Burt com o pai, que ele alegara estar morto. Virgínia explica que Burt a abandonou depois de ser acusado de furto e que ela e o pai chegaram à Los Angeles para encontrá-lo. Em seguida, ela entrega à Milly um documento de propriedade que Burt precisa assinar.
Depois de avisá-la que ele é um mentiroso inveterado, Virginia vai embora deixando Milly enojada e com medo. Pouco tempo depois, perturbada, Milly visita o pai de Burt em seu hotel. Na ocasião, fingindo preocupação com o filho, o Sr. Hanson avisa Milly que Burt é uma alma perdida que deve ser institucionalizada. Depois que Milly vai embora, Virginia procura seu ex-sogro e o abraça carnalmente.
Quando Burt chega do trabalho, Milly lhe diz que descobriu que ele é um auxiliar de escritório e não um gerente, e o acusa de roubar os presentes que ele lhe deu. Quando ele fica a olhar para ela, espantado, Milly lhe pergunta por que ele nunca lhe falou sobre Virginia. Mostrando-se agitado, ele lhe diz que o casamento não significava nada para ele e relembra o dia em que voltou para casa mais cedo, para surpreender Virginia, desmaiando em seguida. Quando Milly insiste que ele deve procurar o pai, Burt derrama-se em lágrimas, mas finalmente atende ao seu desejo. No dia seguinte, ela vai ao hotel para falar com o Sr. Hanson e o encontra à beira da piscina aos abraços com Virginia.
Percebendo a extensão da traição de seu sogro, Milly se esconde no corredor enquanto os pombinhos sobem para sua suíte. Logo depois, Burt chega ao hotel, e quando descobre que ele está indo ver o pai, Milly tenta fazer algo para poupar o marido. No entanto, ao chegar ao andar do Sr. Hanson, ela encontra Burt caído junto à porta da suíte. Ao voltar para casa, ele mostra-se retraído e pouco comunicativo. Logo depois, Virginia e o Sr. Hanson chegam e pedem para vê-lo. Enquanto Burt ouve às escondidas, Milly ordena que eles vão embora, mas o Sr. Hanson ameaça entregar o filho, a menos que ele passe a propriedade que herdou de sua falecida mãe para o nome de Virginia.
Chamando-os de monstros, Milly bate a porta de seu apartamento, sendo acusada por Burt de estar agindo contra ele. Enfurecido, ele a derruba com um soco e, em seguida, esmaga sua mão com uma máquina de escrever. Depois que ela grita em agonia, Burt lhe implora seu perdão. As lesões de Milly são tratadas pelo Dr. Masterson, que recomenda que Burt seja visto pelo Dr. Malcolm Couzzens, um psiquiatra. Ela resiste aos conselhos dele até uma noite, quando Burt revive a traição de Virgínia e começa a soluçar incontrolavelmente. No dia seguinte, uma angustiada Milly procura o Dr. Couzzens, que diagnostica Burt como portador de esquizofrenia, aconselhando sua internação.
Quando o psiquiatra adverte que Burt está regredindo à infância, Milly finalmente concorda em interná-lo, embora tema que, uma vez curado, ele não venha mais precisar dela. Meses depois, ela recebe uma carta informando-a que Burt vai receber alta do sanatório. Certa de que ele, a essa altura, já não mais a ama, ela vai ao sanatório se oferecer para enviar suas roupas e se despedir. Ao deixar a instituição, no entanto, ela é seguida por Burt que, ternamente, beija sua mão ferida e a abraça.
Comentários
Realizado pelo grande cineasta Robert Aldrich, a partir de um roteiro escrito por Jean Rouvero, Hugo Butler, Robert Blees e Lewis Meltzer, “Folhas Mortas” é um interessante filme norte-americano produzido pela William Goetz Productions em 1956. Sua trama conta o drama vivido por uma mulher de cinquenta anos de idade, que se apaixona e se casa com um jovem com problemas mentais e cerca de vinte anos mais novo que ela.
Na direção, Aldrich realiza um ótimo trabalho, pelo qual foi agraciado com o prêmio Urso de Prata, concedido pelo Festival Internacional de Berlim, Alemanha. Na área técnica, merecem ainda ser destacadas a fotografia em preto e branco, assinada por Charles Lang, e a trilha sonora de Hans J. Salter, com destaque para a bela música de Joseph Kosma, “Les Feuilles Mortes”, magnificamente interpretada pelo inesquecível Nat 'King' Cole.
No elenco, Cliff Robertson e Joan Crawford brilham em seus respectivos papéis, seguidos pelas ótimas atuações de Vera Miles e Lorne Greene.
25/02/2021
55 Dias em Pequim (55 Days at Peking), 1963, Nicholas Ray e Guy Green (não creditado)
55 Dias em Pequim no iutubi
Luiz Carlos Merten, 28 de janeiro de 2019
Quando falo que a minha casa é uma confusão, com livros, revistas e DVDs espalhados por toda parte, sempre penso que as pessoas devem achar que exagero, ou estou querendo fazer gênero. Mas é a pura verdade! Some-se a isso o fato de a diarista, a Odete, volta e meia arrumar as coisas do jeito dela, e elas somem aqui dentro de casa. Às vezes, reaparecem quando a Odete faz outra arrumação. Por exemplo, comprei, em 1993, um número especial de Cahiers du Cinéma, Hors-série. 100 Films pour une Videdothèque. Há 26 anos! Cem filmes para uma videoteca. Nem me lembrava. No editorial, Thierry Jousse explica porque uma revista que sempre defendeu a ida ao cinema como um ato de amor – é uma questão geracional, também me sinto assim -, de repente estava encampando como esclarecedor o ato de (re)ver os filmes em casa. Não se trata de uma lista de 100 melhores filmes em cassette, nem era DVD.
Entre os títulos disponíveis no mercado, Cahiers selecionava um número preciso de obras que mereciam revisão e que o vídeo, por seu mecanismo – é possível parar, retomar, etc -, poderia ajudar a resgatar. A relação está em ordem alfabética, de A a V, ou de Abyss (de James Cameron) a Vidéodrome (de David Cronenberg). Abri ao azar e era a página de Os 55 Dias de Pequim, o único filme de Nicholas Ray da lista. Stéphane Bouquet começa lembrando que a reputação da obra não é boa, mas depois de ler o texto dá para perceber que ela está convencida daquilo que eu, particularmente, sempre achei – que não é só um Ray grande, mas um grande Ray. Dos maiores, e mais reveladores de sua estética. E Stéphane nem toca o ponto essencial.
Em 1963, sob o impacto do neo-realismo e da nouvelle vague, os cinemas nacionais estavam irrompendo em todo o mundo. A década iria mudar tudo, abrigando o célebre Maio de 68 e Ray se antecipava ao culto a Mao, e a seu livro vermelho, com uma aventura colonialista (antirrevolucionária?) em que o projeto coletivo é destinado ao fracasso e restam as soluções individuais. O império é destroçado e dos escombros dessa Chima destruída pela guerra interna (e externa), tudo acontece para que Charlton Heston, no desfecho, estenda a mão para recolher a menina em seu cavalo, como John Wayne faz com Natalie Wood em Rastros de Ódio, de John Ford. Não conheço filme mais suntuoso – nem Visconti! – e se Ray alguma vez radicalizou seu conceito do cinema como a melodia do olhar, foi aqui. Os olhos não refletem apenas o interior dos personagens. O olhar conduz o fluxo da montagem, e hoje é possível dispor de informações preciosas que esclarecem – e iluminam – o todo. Ray, poeta maldito, reservou-se o papel do embaixador norte-americano que, preso a uma cadeira de rodas, diz a seus colegas europeus que não liga a mínima para a revolta dos Boxers e que eles podem fazer o que quiserem.
Na verdade, ao se mostrar como paralítico, Ray, autor de seus filmes, estava querendo chamar a atenção para seus problemas com o superprodutor Samuel Bronston. Ele chegou a sofrer um ataque cardíaco que o afastou da montagem. Mas, então, como e por que a edição de imagens é tão pontuada pelo olhar, mais do que qualquer outro filme do diretor? E se a revolta dos Boxers, como grande História, não lhe interessava, é óbvio que seu foco estava no trio formado pelo soldado dos EUA (Heston), o embaixador inglês (David Niven) e a aristocrata russa (Ava Gardner), mais, é claro, a garota chinesa. Sua descrição da corte – a imperatriz Flora Robson, com suas longas unhas artificiais que conferem graciosidade (ou terror) a seus gestos, e o príncipe conselheiro, a quem Robert Hellpmann imprime um caráter ambíguo, quando não perverso, são geniais. Sempre gostei muito de Os 55 Dias de Pequim e até acho que esse filme de Ray e A Queda do Império Romano, de Anthony Mann, outra produção de Samuel Bronston, lançada em 1964, são talvez os que mais revelam sobre as transformações em curso naquela década. Esplendor e decadência dos impérios. Por que refletir sobre isso? Porque a Guerra Fria, que se transferira para o espaço, ia redesenhar a geopolítica mundial. Como aqueles caras, Mann, um diretor de westerns, e Ray, que também imprime uma pegada de western a 55 Dias, sabiam disso? Por misterioso que pareça, sabiam. Talvez fosse o aporte do roteirista Philip Yordan.
28/02/2021
Minari, 2020, Lee Isaac Chung
Sobre Youn Yuh-jung
Nascido nos Estados Unidos e de ascendência sul-coreana, o diretor Lee Isaac Chung passou a infância na década de 1980 numa pequena fazenda no estado de Arkansas. Seu filme “Minari” é um convite para passear por suas memórias nesta obra praticamente autobiográfica, que ainda discorre sobre o sonho americano, xenofobia, raízes e família.
Se espelhando no garoto David (Alan Kim), Chung conta a história de uma família sul-coreana que já está estabelecida nos Estados Unidos há um tempo, mas se mudam da Califórnia para o Arkansas para tentar sucesso com sua própria fazenda. A família se completa com a irmã mais velha Anne (Noel Cho), a mãe Monica (Yeri Han) e o pai Jacob (Steven Yeun).
A mudança não cai bem com todos os membros da família. As crianças parecem perdidas ao não ter praticamente nada para fazer e a mãe tem dificuldades de aceitar que seu novo lar é um trailer isolado na área rural do Arkansas. Após um início desafiador, a avó dos garotos (Youn Yuh-jung) chega da Coreia do Sul para auxiliar a filha, e o filme começa de verdade.
A chegada da avó pega David de surpresa, já que o garoto tinha expectativas americanas do que uma avó deveria fazer (assar biscoitos e ser delicada e assistir novelas, por exemplo), mas se depara com uma mulher de alta energia, que não tem medo de usar linguagem chula e de dizer sua opinião. A partir daí, Chung – que também assina o roteiro – aproveita o ótimo elenco para criar interações que cativam não só de carinho, mas de palpabilidade. Através de olhares e falas bem colocadas, fica fácil imaginar toda a carga emocional que foi construída até ali pelos anos passados, incluindo aí os sentimentos bons e ruins.
O ótimo elenco traz vida ao filme: Yeun interpretando um homem obcecado por fazer a fazenda ser bem sucedida, ao ponto de enfraquecer seu casamento; Han dando vida a uma mulher carregada de preocupações e insatisfações; e com a ótima Yuh-jung injetando vida na tela e despertando emoções em outros personagens. Elogios também devem ser tecidos para os atores-mirins Kim e Cho são bons achados, com um transbordando impaciência e revolta, e a outra transmitindo resignação e adaptação.
A obsessão de Jacob, o genuíno carinho da avó desbocada, a insatisfação de Monica com a nova vida e a doença cardíaca de David são apenas alguns dos vários elementos que compõem a rica trama. Esta é bem ilustrada por Chung com ótimas ferramentas visuais que emprestam carga narrativa de peso, como a casa ser um trailer imóvel, ironicamente representando o isolamento da família que está num local longe de outras pessoas, mas também de uma cultura que não é bem recebida pela sociedade local.
Não que haja agressões ou olhares feios, mas as tentativas da família de fazer parte da sociedade evidencia barreiras culturais difíceis de serem superadas em um local que não está acostumado a lidar com estrangeiros. A xenofobia é retratada de maneira sutil, com as crianças americanas fazendo alguns comentários que, provavelmente, ouviram de outros adultos.
Este tipo de sutileza cheia de camadas que convidam o espectador a inferir verdades sobre aquela realidade permeia toda a obra. Os pais, além da fazenda, trabalham numa fábrica de carnes, onde seu trabalho é separar pintinhos recém-nascidos entre machos e fêmeas. Este fato resulta numa fumaça escura que leva a um diálogo entre pai e filho sobre propósito e ética de trabalho, mas que tem um subtexto sobre a impotência da mãe.
Com tais exemplos, fica fácil imaginar a riqueza de detalhes aparentemente escondidos no roteiro ao tratar das variadas relações entre os personagens. Das tensões oriundas da obsessão de Jacob e dos sacrifícios de Monica, passando pelas decepções de David com sua avó e choque de culturas. Neste último quesito, aliás, a maneira com que os membros da família discutem seus gostos por chás e refrigerantes diz muito sobre as diferenças entre quem, de fato, emigrou para os EUA e quem já nasceu lá. Os presentes que a avó traz e as reações da filha e dos netos estão carregadas de informações neste sentido e fazem o espectador imaginar gostos, sons e odores de sua infância.
Com uma família bilíngue, o filme é falado em coreano e inglês, idiomas misturados pelos personagens na mesma conversa. Tal fato levou o Globo de Ouro a classificar o longa como “filme em língua estrangeira”, mesmo sendo uma produção americana. Isso também significa que importantes elementos da narrativa se perdem em traduções. Há uso de pronomes de tratamento em coreano que imbuem a conversa de significados e pesos que não aparecem nas legendas, o que é compreensível, mas uma pena de qualquer forma. As duas línguas também são usadas para fortalecer o senso de isolamento, com alguns personagens tentando se encaixar na sociedade americana, mas sem conexão nativa com a coreana.
Ao explorar camadas entre as relações familiares e socioculturais em tela, Chung revisita e homenageia seu passado e sua família, levando o espectador a presenciar uma jornada que não foi fácil, mas que é parte vital da pessoa que o diretor é hoje. Assim, Chung faz um convite para que cada um analise sua própria história, se permitindo viajar em lembranças nostálgicas para constatar a autenticidade que o passado tem na formação do indivíduo. E tudo isso pode ser resumido em “Minari”, que além do título, é uma erva usada na culinária asiática, levada à fazenda em Arkansas pela avó que viaja com sementes na esperança de que ela possa vingar em terras distantes.
Minari (2020) - Lee Isaac Chung
Uma família coreana imigra para o Arkansas, no interior dos Estados Unidos, para criar uma fazenda nos anos 1980.
Roteiro: Lee Isaac Chung
Elenco: Steven Yeun, Han Ye-ri, Youn Yuh-jung, Will Patton, Alan Kim, Noel Kate Cho, Scott Haze, Darryl Cox, Esther Moon, Ben Hall, Eric Starkey, Jacob Wade, James Carroll, Jenny Phagan, Tina Parker, Chloe Lee, Joel Telford, Kaye Brownlee-France, Skip Schwink, Tea Oh
Bruno Passos
01/03/2021
O Rebelde Orgulhoso (The Proud Rebel), 1958, Michael Curtiz
O rebelde orgulhoso no iutubi
03/03/2021
A Dama sem Camélias (La signora senza camelie), 1953, Michelangelo Antonioni
A Dama sem Camélias no iutubi
O terceiro filme da filmografia do cineasta italiano Michelangelo Antonioni compreende-se como um trabalho menor do mesmo, ainda mais se comparado com grandes sucessos posteriores. Ainda em início de carreira, a qual duraria por muitos e muitos anos, o diretor busca com a obra retratar a figura da mulher no espaço cinematográfico, desenvolvendo seu argumento em cima das oportunidades que a indústria cede a ela. Em um ambiente extremamente sexista, o diretor mostra-se visionário, abordando já nos anos 50 um comentário extremamente atual sobre as mazelas que o capitalismo acaba causando, fruto de uma sociedade tão doente quanto os produtos que consome.
Na premissa, Clara Manni (Lucia Bosé) é uma estrela em ascensão que um dia fora revelada pelo executivo de filmes Gianni (Andrea Checchi). Em mais uma empreitada na indústria de filmes italiana, testes revelam um maior interesse do público na figura da atriz do que nas peripécias do roteiro. Com o produtor Ercole (Gino Cervi) ciente de tal preferência, o investimento do estúdio passa a ser explorar, no marketing e no próprio longa-metragem, a imagem da mulher, tornando Clara tão produto quanto o próprio filme. A virada de tudo está no pedido de casamento de Gianni, e consequente – consideravelmente manipulada – aceitação por Clara.
Em mais uma parceria com Antonioni, Lucia Bosé consegue transmitir as características de sua personagem muito bem, mostrando sua evolução como atriz. Logo no início do filme, o encontro de Clara com seus pais, que foram informados antecipadamente que a filha deles iria se casar, expõe a boa performance de Bosé, perdida em meio a um futuro casamento não tão desejado quanto aparente. A realidade é que Gianni utiliza dos pais de Clara para força a aceitação da mulher, visto que os mesmos mostram-se extremamente contentes com o status social e econômico que será provido pelo matrimônio. A mulher, extremamente impotente diante de tais comentários. Uma atitude ardilosa de um homem que usa os meios para se favorecer da garota, assim como a própria indústria cinematográfica faz.
O que acontece a seguir é a retirada de Clara do filme “La donna senza destino”, uma imposição articulada por Gianni, tão – senão ainda mais – machista quanto a própria publicidade do filme. Gianni não quer expor a sua mulher, a sua sensualidade e beleza, o que reflete no manejo do mesmo para deixar Clara cada vez mais dentro de casa, cuidando dos afazeres domésticos. O roteiro vai fluindo episodicamente, e em alguns segmentos percebe-se a exposição preencher lacunas no tempo. Pela metade do filme, a introdução do personagem Nardo (Ivan Desny), casa-se com a tentativa de Gianni em colocar Clara para bilhar em um papel “sério”. Com a recepção nada amigável dos críticos envolta do filme sobre Joana D’Arc, Clara vê-se cada vez mais tentada em se rebelar, assumindo uma postura de protagonista de sua própria vida.
Antonioni tem um domínio espetacular sobre a câmera. Na sequência inicial, é descompromissado ao flagrar uma mulher inquieta perambulando pela noite. No mais breve tardar, revela-se esta como Clara, que anteriormente encontrava-se em um estado de ansiedade pelas reviews do público que está vendo seu filme. O diretor faz um bom uso de seus planos, fluidos e longos, com cortes bastante comedidos. Há de se observar as cenas dentro do estúdio de filmagem, visto que tais possuem uma mise-en-scéne extremamente rica a ser apreciada.
A Dama Sem Camélias, um jogo de palavras com o romance do escritor francês Alexandre Dumas, exprime críticas à indústria cinematográfica e à exposição da mulher como produto a ser consumido nas telas. Ao final do longa, um diretor apresenta uma proposta por ele considerada “séria” à Clara. Ela recusa-a por conter inúmeras cenas de sexo. Para ela o roteiro é apenas um pretexto para que ocorra esses segmentos. Considerada uma atriz lindíssima, se despir ou colocar-se em situações eróticas não seria uma parte fundamental do filme, na redefinição do corpo como arte, mas sim uma tática de mercado para atrair o público masculino. Se não consegue enfrentar essa corrente, infelizmente acaba por se unir, na esperança de um dia poder sair dela.
A Dama Sem Camélias (La signora senza camelie) — Itália, 1953
Direção: Michelangelo Antonioni
Roteiro: Michelangelo Antonioni, P.M. Pasinetti, Suso Cecchi D’Amico, Francesco Maselli
Elenco: Lucia Bosé, Andrea Chenni, Gino Cervi, Ivan Desny, Monica Clay, Alain Cuny, Anna Carena, Enrico Glory
Duração: 101 min.
Gabriel Carvalho
17/02/2021
O Recepcionista (The Night Clerk), 2020, Michael Cristofer
O filme O Recepcionista (The Night Clerk), que entrou no catálogo da Netflix, tem a seguinte sinopse: “Durante o turno da noite, Bart Bromley o jovem recepcionista de um hotel, testemunha o assassinato de uma mulher num dos quartos do hotel, mas os seus comportamentos incomuns acabam por colocá-lo como principal suspeito. No decorrer da investigação, Bart cria uma relação próxima com uma das hóspedes, Andrea, e rapidamente percebe que tem de parar o verdadeiro assassino antes que ela seja a próxima vítima. As imagens das câmaras de vigilância, que Bart mantém em segredo para observar os hóspedes, são a única forma de conseguir provar a sua inocência e salvar Andrea.”
Desperdício de elenco
Junte à essa sinopse quase hitchcockiana, um elenco encabeçado por Tye Sheridan e a bela Ana de Armas, além de Helen Hunt e John Leguizamo, e temos um filme que promete bastante. Infelizmente promete, mas não cumpre. É mais um daqueles casos de desperdício de premissa e de elenco.
Felizmente, dois pontos salvam o fime O Recepcionista de ser um desastre total (e de se juntar ao Quarteto Fantástico no tópico “fracassos” no currículo de Tye Sheridan). Primeiro, um detalhe que é omitido na maioria das sinopses encontradas: o protagonista Bart tem síndrome de Asperger. Ele é “funcional” e demonstra ter grande desenvoltura no uso de tecnologia, mas tem profunda dificuldade em comunicação e interação social.
É devido à essa dificuldade de comunicação e interação que Bart pratica o que poderia parecer inicialmente como voyeurismo. Entretanto, na verdade, é uma observação – quase um estudo – para saber como as pessoas “normais” falam e se comportam, e poder imitá-las ao ser confrontado com situações em que precisar interagir com outras pessoas.
Tudo isso acaba gerando uma simpatia pelo personagem, e pelo filme por tabela. O “suspense”, baseado no assassinato ocorrido, entretanto, é raso.
‘O Recepcionista’ é um suspense raso, mas drama razoável
Quem está acostumado com filmes do gênero deve desvendar o “mistério” antes do meio do filme. O suspense – ou curiosidade – que fica mesmo é saber como Bart irá se comportar no desenrolar da história. Aliás, o outro ponto que acaba contribuindo para salvar O Recepcionista do naufrágio são algumas sequências com o brilho pontual da interpretação de Tye, Ana e Helen.
Fernando Coutinho, Ultraverso
18/03/2021
Pieces of a Woman, 2020, Kornél Mundruczó
Sobre Ellen Burstyn
Crítica: ‘Pieces of a Woman’, da Netflix, é filme arrebatador com Vanessa Kirby
Matheus Mans, 5 de Out de 2020
Se havia dúvidas que 2020 teria força de produzir filmes bons, Pieces of a Woman sana esses questionamentos de uma vez. Afinal, este longa exibido no Festival de Toronto é tudo que poderia ser. É delicado, é sensível, é terno, é triste, é forte. Tudo isso com poderosas atuações de Vanessa Kirby (The Crown) e Ellen Burstyn (Réquiem para um Sonho).
Mas vamos com calma. Ou melhor, por partes. Dirigido por Kornél Mundruczó (do mediano Deus Branco) e roteirizado por Kata Wéber, o longa-metragem acompanha a história de uma mulher grávida (Kirby), prestes a dar à luz. No entanto, rapidamente, a coisa se agrava e o bebê, no colo da mãe e sob olhar atento do pai (Shia LaBeouf), morre repentinamente.
Assim, depois de um longo plano-sequência de quase 30 minutos mostrando o parto, o espectador começa a mergulhar na dor dessa mulher. Afinal, como lidar com tal perda?
Kirby se mostra como uma das grandes atrizes de sua geração. Sabe sofrer em silêncio, mas também sabe externar sua dor em sequências dolorosas -- uma especialmente, envolvendo a mãe (Burstyn), é espetacular. O contraste com o personagem de LaBeouf (Transformers), mais explosivo e inconsequente, também ajuda a dar o tom do filme.
Vale ressaltar, também, como a roteirista Kata Wéber (também de Deus Branco) é essencial para o longa-metragem. Afinal, já que o diretor é homem, era mais do que necessário o olhar feminino sobre essa outra mulher sofrendo. Mundruczó, é claro, sabe conduzir a trama como ninguém, com lindas sequências. Mas tudo se resume à boa abordagem de Wéber.
No final, difícil não sentir uma mistura de aperto no coração, esperança, dor, sofrimento. Afinal, essa mistura de História de um Casamento com Manchester à Beira-Mar é daqueles filmes que ficam impregnados em nossa memória, nossa alma, nosso sentimento. Partilhamos da dor dos personagens e, com isso, de alguma forma, evoluímos juntos.
E tenho dito: Kirby e Burstyn não foram indicadas em Melhor Atriz e Atriz Coadjuvante, não há justiça no mundo. Ambas estão potentes em tela e merecem o reconhecimento. Assim como o restante do filme, claro. Pieces of a Woman, afinal, é uma das grandes produções do ano. Real, crua, dolorosa, sentimental. Vai mexer com os corações de muita gente.
19/03/2021
Druk - Mais Uma Rodada, 2020, Thomas Vinterberg
Schubert – Fantasia em Fá menor D. 940 (Fantasy in F minor D. 940)
Crítica
Um dos principais expoentes do movimento Dogma 95, o diretor dinamarquês Thomas Vinterberg nos brinda com Druk: Mais Uma Rodada, um provocador filme sobre o consumo de álcool.
No filme, quatro professores de colégio estão entediados e, por isso, são entediantes. Como resultado, suas burocráticas aulas não conseguem estimular seus alunos. Quando o protagonista Martin (Mads Mikkelsen) é criticado por pais e alunos durante uma reunião, ele desabafa com os amigos. Então, o grupo resolve testar neles mesmos a teoria de um especialista que afirma que as pessoas vivem melhor mantendo 0,05% de álcool no corpo.
Assim, os professores começam com uma dose pequena e percebem um ótimo resultado. Porém, logo se empolgam e aumentam as quantidades. Como consequência, além de apresentarem um comportamento social e professional prejudicial, um deles se torna dependente do álcool.
Direção talentosa
Com talento, a direção de Thomas Vinterberg permite ao espectador se empolgar com o estado de embriaguez dos personagens. De fato, com doses baixas, o álcool desinibe os professores e a substância serve para despertá-los do conformismo. Com isso, alguns trechos são bem divertidos. Nesse sentido, merece destaque a cena em que Martin revela como algumas figuras históricas eram bebedores inveterados. Como complemento, o filme reforça isso com uma montagem de imagens de chefes de estado revelando sua embriaguez em público.
Por outro lado, Druk: Mais Uma Rodada também conduz o espectador a vivenciar o lado ruim das bebidas alcoólicas. Assim, mostra o grupo ultrapassando os limites e se comportando muito mal nas ruas e, consequentemente, em casa. Logo, os relacionamentos familiares se deterioram. Para piorar, um dos professores se torna perigosamente viciado.
E Thomas Vinterberg atinge o público dessa maneira através de vários recursos. Por exemplo, ele movimenta a câmera tanto para espelhar a empolgação das bebedeiras como também a amargura dos efeitos contrários. Além disso, a trilha sonora é outro elemento envolvente, com músicas de vários estilos que são perfeitamente adequadas para cada momento dramático. Em especial, destaca-se “What a Life”, do Scarlet Pleasure, presente na conclusão do filme.
Atuação de Mads Mikkelsen
Além disso, a atuação de Mads Mikkelsen é estupenda. Repetindo a parceria de A Caça, o ator novamente acrescenta emoção num filme de Vinterberg. De fato, a capacidade dele de expressar emoções, mesmo sem falar nada, fica evidente em várias cenas. Por exemplo, na primeira vez que o vemos em sala de aula, bem como no jantar inicial onde resolvem iniciar o projeto do uso do álcool. E ainda ele apresenta incríveis passos de dança na sequência final.
Nos créditos finais, Thomas Vinterberg dedica o filme a Ida, que é Ida Maria Vinterberg, a filha do diretor. Ele pretendia escalá-la para interpretar uma das filhas do personagem Martin. Porém, ela veio a falecer quatro dias antes do início das suas filmagens.
Com tudo isso, Druk: Mais Uma Rodada é um filme envolvente que diverte e provoca. Ele aborda o aspecto desinibidor da bebida, mas não é uma apologia ao álcool. Através dele, o espectador experimenta os altos e baixos de seu uso.
Eduardo Kaneco
21/03/21
Guerreiros em Luta (The Restless Breed), 1957, Allan Dwan
Guerreiros em luta no iutubi
Sobre Anne Bancroft (I) (1931–2005)
Mitch Baker é um homem educado mas de cabeça quente. Ele viaja até a cidade fronteiriça de Mission para vingar a morte de seu pai, um agente do serviço secreto assassinado por Newton, líder de uma gangue de contrabandistas.
21/03/2021
Meu Único Amor (The Man I Love ), 1946, Raoul Walsh
Visitando suas duas irmãs e irmão, o cantor Petey Brown consegue um emprego na boate Nicky Toresca. Enquanto evita os passes desajeitados de Toresca, ela se apaixona pelo ex-pianista de jazz Sand Thomas, que nunca se recuperou de um antigo divórcio. Enquanto resolvia os problemas das irmãs, do irmão e do vizinho da casa ao lado, o absurdo Petey precisava esperar enquanto Sand decidia se começaria uma nova vida com ela ou se contrataria um navio mercante.
22/03/2021
Madrugada da Traição (The naked dawn), 1955, Edgard G. Ulmer
Madrugada da traição no iuotubi
The naked dawn é o título de um filme clássico de Edgard Ulmer de 1955. A tradução para o Brasil foi Madrugada da Traição (não me pergunte porque). Assisti várias vezes e me deu inspiração para escrever umas mal digitadas linhas neste blog. Está em Ofélia
Conhecendo Edgar G. Ulmer
Ulmer dirigiu 128 filmes ao longo de 32 anos. Era checo, muito inteligente e culto. Educado na Academia de Artes e Ciências de Viena, foi ator e cenógrafo de Max Reinhardt, trabalhou em Estocolmo com o sueco Mauritz Stiller e, na Alemanha com Pabst, Lang e Murnau. Em 1929 dividiu com Robert Siodmak a direção de Gente no domingo (Meschen am Sonntag, 1930), em que debutaram também Billy Wilder (roteirista) e Fred Zinnemann (assistente de fotografia). Em Hollywood, especializou-se em westerns, na Universal, até ser levado por Murnau para a Fox. Ulmer participou das três obras-primas de Murnau: A última gargalhada, Aurora e Tabu. Também colaborou com Stroheim e Lubitsch. Por tudo isso, merecia ter tido outra carreira.
Seu primeiro filme expressivo, O gato negro (The black cat, 1934), com Boris Karloff e Bela Lugosi, era puro Bauhaus. À exceção de O insaciável (Rutless, 1948) e Madrugada da traição (The naked dawn, 1955), seus filmes B mais apreciados foram produzidos para a independente PRC (Producers Releasing Corporation), entre 1944 e 1946: Barba Azul, Estranha ilusão, Club Havana, Curvas do destino e Flor do mal (The strange woman). Nenhum com a aura de Curva do destino.
Aurora DVD (...) tirou dos arcanos do filme B um clássico que não admite discussões: Curva do destino (Detour, 1945), de Edgard G. Ulmer (1904 – 1972). Filmado em seis dias, num motel e num carro de estúdio, é o melhor filme noir de baixíssimo orçamento, um melodrama minimalista, com direito a femme fatale, boate, brumas, troca de identidades, carros ominosos e aquelas fatalidades que às vezes aproximam das tragédias de Shakespeare e das danações de Dostoievski. (Augusto, Sérgio (2019). Vai começar a sessão: ensaios sobre cinema, p. 215, Objetiva.)....
Madrugada da Traição (The Naked Dawn, EUA, 1955). Direção: Edgar G. Ulmer. Rot. Original: Julian Zimet. Fotografia: Frederick Gately. Música: Herschel Burke Gilbert. Montagem: Dan Milner. Dir. de arte: Martin Lencer. Cenografia: Harry Reif. Com: Arthur Kennedy, Betta St. John, Eugene Iglesias, Charlita, Roy Engel, Tony Martinez, Francis McDonald.
O fora-da-lei Santiago (Kennedy) influencia em Manuel Lopez (Iglesias), um pobre agricultor índio, o desejo da riqueza fácil, ao contrário do que o próprio Santiago desejara. Embora tenha muito dinheiro, Santiago não possui o menor interesse nele e gasta-o à medida que ganha. Casado com Maria (St. John), a quem trata como sua serva, Manuel tenta trair Santiago, que não desconfia de nada e o tem em grande conta. Porém, na manhã que resolve abandonar a propriedade de Manuel, escuta indignado a confissão de que Manuel tentara atentar contra sua vida e de Maria que preferia abandonar o marido e fugir com ele. Chocado, Manuel leva Maria, porém ao retornar para salvar Manuel das garras da lei, é ferido mortalmente e recomenda que o casal parta sem ele.
Sempre instilando talento e originalidade nos filmes de gênero de baixo orçamento que dirigiu, Ulmer não foge a regra nesse western psicológico. Menos do que qualquer preocupação realista, interessa ao cineasta trabalhar com metáforas e embaralhar os papéis sociais tidos como certos pela sociedade, fazendo com que o aparente vilão possua uma invejável nobreza de caráter e despojamento e o aparente mocinho seja extremamente mesquinho. Quando se tem em conta o quão pouco o cineasta tem em conta o realismo, o personagem do marginal, vivido por Kennedy pode ser apreciado, sem qualquer cobrança sobre a sua exacerbada bonomia e desapego às coisas materiais. Distante de toda a mística do oeste selvagem, com seus longos planos de planícies e vales, o cineasta se detém em planos fechados e perscruta relações sociais que bem poderiam transcorrer em qualquer metrópole. Universal. 82 minutos.
cid vasconcelos
Maria Lopez Betta St. John
Curva do destino (Detour, 1945)
O gato negro (Black cat, 1934)
26/03/21
O Grande Mestre (Yi dai zong shi), 2013, Kar Wai Wang
Visualmente belo, novo longa de Wong Kar Wai peca no roteiro.
Ao ler a sinopse do novo filme de Wong Kar Wai, “O Grande Mestre”, fica a impressão que iremos acompanhar a biografia de um dos maiores mestres do Kung Fu: Yip Man, conhecido popularmente por ter treinado Bruce Lee. É verdade que algumas passagens importantes de sua vida são retratadas no filme, mas elas funcionam como pontos de viradas para que a trama principal possa prosseguir adiante, deixando Yip Man em segundo plano em grande parte da duração.
Logo no início, as principais qualidades que irão predominar já podem ser vistas: as lutas e a bela produção técnica, além do talento do diretor Wong Kar Wai que cria planos inesquecíveis que só colaboram para a excelente estética da obra. Na primeira luta de Yip Man (Tony Leung), é complicado não lembrar de “Matrix” que, por sua vez, bebeu muito da fonte do cinema oriental. Essa imediata lembrança se deve ao coreógrafo Woo-Ping Yuen, que trabalhou no filme dos irmãos Wachowski, responsável pelas coreografias que só melhoram a cada luta, principalmente pelos detalhes que Kar Wai faz questão de mostrar com o objetivo de envolver o público a cada golpe. Uma verdadeira dança marcial.
No entanto, apesar de “O Grande Mestre” ser competente na produção e um filme visualmente belo, não tem a mesma excelência no roteiro. A história começa com um off de Yip Man resumindo sua vida até os 40 anos, época em que ele compara como a Primavera. Em poucos minutos, grande parte de sua história é revelada, sem nenhum aprofundamento. Isto ainda será repetido em outros momentos, como a passagem na guerra contra os japoneses, momento doloroso para o personagem que poderia ser melhor desenvolvido.
O tom do filme está muito mais para a fantasia do que para a realidade, já que Yip Man é mostrado como uma lenda, um mito, um mestre invencível das artes marciais, não se preocupando em discutir o seu lado humano. O roteiro se apressa em dizer quem é Yip Man e defini-lo, tendo maior destaque na “primeira parte” do longa, em que ele se vê em ma briga entre as escolas do norte e sul que disputam o território da cidade de Foshan. Deste modo, sobra espaço para a personagem de Zhang Ziyi, Gong Er, tomar conta do filme, principalmente na segunda parte da vida de Yip Man que ele define como Inverno. É a personagem com o melhor desenvolvimento, o que não é algo difícil comparado aos outro que, na maioria, entram e saem da trama sem nenhuma grande relevância, colocados ali como motivos para mais porradaria.
Wong Kar Wai parece não ter um foco principal para a trama. Em um momento, acompanhamos Yip Man e, quando o personagem cresce, já somos jogados para Gong Er, tendo uma quebra de ritmo enorme. E no meio dessas histórias, o diretor ainda tenta desenvolver o contexto da guerra entre a China e o Japão (é linda a preocupação do diretor nos detalhes quando coloca uma bandeira do Japão desfocada no fundo para mostrar um grupo de chineses traidores), enquanto homenageia o Kung Fu e toda sua cultura. Este último acaba sendo um dos grandes acertos, com diálogos que mostram a maneira de pensar daqueles mestres e como eles relacionam o aprendizado com os fenômenos naturais, bem distante de alguns diálogos bizarros e frases de efeitos proferidas durante as lutas. Outro acerto é a relação de Yip Man com Gong Er que, da admiração que um tem para outro, nasce um amor platônico que une as duas histórias.
“O Grande Mestre” funciona mais como um filme de artes marciais do que como uma biografia do lendário Yip Man. Se você procura aprender mais sobre o Kung Fu, a cultura chinesa e ver lutas bem coreografadas, ficará mais satisfeito do que alguém que procura um estudo aprofundado sobre o mestre.
Guilherme Augusto, Cinema com rapadura
27/03/2021
Primavera, Verão, Outono, Inverno... e Primavera (Bom Yeoareum Gaeul Gyeoul Geurigo Bom), 2003, Kim Ki-duk
O filme Sul Coreano “Primavera, Verão, Outono, Inverno…e Primavera” é um dos filmes mais calmos, aconchegantes e inspiradores que vi nos últimos anos. Baseado na vida de um monge Budista e de seu discípulo, a narrativa localiza-se num local ermo no meio de um lago ao redor de uma floresta: uma casa palafita habitada por Ohh Young Soo e um menino Seo Jae Krung, um aprendiz de monge.
O nascer do sol tanto quanto sua hora de dormir fazem parte da rotina que nunca muda, da movimentação sem movimento, da procura via fé, do simulacro do fazer espelhado pela meditação do acreditar. É raro algo diferente acontecer para além do que já ocorre naquela casa solitária. O aprendiz é acordado pelo monge, que o prepara algo para comer; logo em seguida, ambos rezam para uma figura de Buda ao som ressonante e confortável de um arco oco que não só preenche a casa humilde de madeira como também à floresta que os rodeia.
A aceitação do fazer nada, ou melhor, ter o ócio como escape de um mundo moderno capitalista, é de fato um reconhecer-se como tal, isto é, como um alguém pequeno diante do mundo que nos engloba, é constatar que somos dispensáveis para o globo, ele não precisa de nossa atividade de homo-faber; a morte nos espera, da mesma maneira que o planeta continuará girando sem a nossa agitação ou atividade. Então, seria melhor se nos afastássemos do nosso ser ativo e passivo do trabalho e assim proliferar no conhecimento do mais íntimo de nós: do amor, da amizade, do conhecimento de si. No entanto, “é preciso trabalhar, infelizmente”, sim, pode ser que seja necessário trabalhar mas temos que gostar dessa ação? Por que devemos condenar algo diferente do mundo fabril então, como a preguiça, como a meditação? Elas são ruins? Fazem mal ao ser humano?
A ideia e a percepção do eterno é inerente ao sentimento pós filme.
O dia-a-dia das pessoas que ali vivem juntas além de nos trazer essa calmaria ondulante que vai e vem, nós traz poucos conflitos, mas tais não perdem força por serem pequenos, pelo contrário, a magnitude de suas consequências nos fazem perceber a tal simplicidade que muitas vezes não prestamos a devida atenção ou não damos tanta importância. O misticismo está presente em boa parte do filme, tanto que o mestre consegue atravessar o lago sem o barco, ou seja, há, em certa medida, um parecer místico e de fé que ali rodeia, há experiência, há sabedoria, há crença. As lições que o aprendiz tira são de fato aprendizados, isto é, quando ele amarra as pernas de um sapo e uma cobra à uma pequena pedra, após o fazer com um pequeno peixe com o intuito de dificultar seu nado, recebe o mesmo tratamento de seu mestre quando é acordado de manhã e se dá conta, que também está preso por uma corda à uma pequena pedra nas costas. Seu mentor então, o pede que vá até o local onde fez tais artimanhas, que solte os animais de suas prisões, e se caso um deles estiver morto, ele carregará para sempre uma pedra em seu coração.
Segundo Montaigne: “A solidão parece-me em particular indicada e necessária àqueles que consagram à humanidade a mais bela parte de sua vida, a mais ativa e produtiva, como o fez Tales. Já vivemos bastante para os outros, vivamos para nós ao menos durante o pouco tempo que nos resta. Isolemo-nos e, na calma, rememoremos nossos pensamentos e nossas intenções. Não é nada fácil um retiro consciencioso […]. É preciso romper com quaisquer obrigações imperativas. Talvez ainda gostemos disso e daquilo, mas só a nós mesmos poderemos desposar […]. A coisa mais importante do mundo é saber pertencer-nos.”
Bráulio Giordano
28/03/2021
Napoleão (Napoléon vu par Abel Gance), 1927
Como houve múltiplas versões, o resumo é de Moussinac, que escreveu em 1927, no dia seguinte à estréia na Ópera: "Após um prólogo mostrando Bonaparte criança, em Briene, o filme começa com a Marselhesa, cantada nos Cordeliers por Roueget de Lesle e Danton. Depois ve-se a fuga de Bonaparte condenado à morte na Córsega por seus compatriotas (perseguição à americana). Num frágil bote, tendo como vela uma bandeira tricolor, ele luta contra o mar revolto, enquanto uma terrível tempestadade se abate na mesma hora (simbolismo literário) sobre a convenção (queda dos Girondinos). O terror.
Ditadores populares transformados em fornecedores de pescoços para a guilhotina, com ênfase nas pequena manias de Robespierre, nas hemoptises de Marat, na rosa que Saint-Just cheirava toda a vez que caia o cutelo. Thermidor. Confusão e obscuridade entrelaçadas com os amores de Bonaparte. Ofertas in extremis de Barras em busca de um chefe, e os amores de Josefina em busca de um homem". Ele assume o comando do exercíto italiano e transpõe a fronteira. Moussinac julgava muito severamente o roteiro, chgando a falar em "Bonaparte para aprendizes fascistas" (então muito ativos na França). Mas acrescentava que suas qualidades originais resultaram no enriquecimento da matéria fotogênica, e assinalava "um progresso incontestável, uma data na história do desenvolvimento técnico da cinematografia".
Insistia na importância da tela tripla, com a qual Gance jogava duas vezes, "a primeira confundindo o jogo do fluxo e refluxo sentimental de uma tempestade, o mar agitado contra o bote de Bonaparte fugindo de Cósega, e as peripécias, na convenção, da queda dos Girondinos; a segunda vez, mostando-nos bruscamente o exército da Itália, cujo jovem general vem prender o comandante, e depois, o que em si é a admirável, o ponto culminante da obra, as tropas marchando e cantando, em imagens rigorosamente compassadas pela ária Auprès de ma blonde. Há nisso, no jogo simultâneo das projeções em três telas de imagens centrais flanqueadas por imagens que se repetem sistematicamente, uma força direta, um elã, um movimento que causa emoção".
A tela tripla, sobretudo quando associada em 1932 à estereofonia, anunciava o cinerama e a polivisão. Os trípticos deNapoleão utilizavam múltiplas superposições. "Não há no filme uma única passagem sem originalidade técnica" (L. M.)....
Georges Sadoul (1993). Dicionário de filmes. p. 270, L&PM.
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Originalmente concebido por seu diretor como o primeiro de seis filmes sobre Napoleão, este épico de cinco horas e meia apresenta recriações históricas de episódios de sua vida pessoal e política, da Revolução Francesa à chegada heroica das tropas francesas na Itália, que marcou o início da primeira campanha italiana de 1796. Utilizando uma série de técnicas inovadoras de câmera e edição, "Napoleão" de Abel Gance oferece uma das experiências mais ricamente gratificantes e emocionantes na história do cinema, uma combinação brilhante de música e filme, comparável a uma grandiosa ópera em sua intensidade, oferecendo cenas deslumbrantes de genialidade incomparável.
Fico imaginando uma sessão de Napoleão, em Paris, com Charles De Gaulle sentando na platéia. Que evento deve ter sido, assistir ao lado do ex presidente francês, em plena Paris, assistindo um dos maiores épicos do cinema. O filme estreou em 27 de Abril de 1927, diante de um l'Opera de Paris (uma das maiores e mais belas casas de ópera do mundo) completamente lotado.
Ao final das aproximadamente quatro horas de exibição, Abel Gance foi aplaudido de pé por quase quinze minutos. Cada frame é de encher os olhos. E pensar que muitos destes filmes se perderam na história. Feito no final da era do cinema mudo, foi saudado como uma obra-prima, mas descartada pelos exibidores como longa demais, impraticável para ser exibido. Foi cortado em versões mais curtas por Abel Gance (e outros também). Cenas inteiras desapareceram e foram presumidas como perdidas. O filme se tornou uma lenda, muito falada, nunca vista. O filme foi picotado pela distribuidora americana MGM a menos de uma hora e meia para seu lançamento nos EUA em 1929. Devido a esta carnificina, Napoleão foi um fracasso nos Estados Unidos, e Gance nunca foi capaz de levantar o dinheiro para contar o resto da história de Napoleão.
Nas décadas seguintes, Gance continuou mexendo com o filme, produzindo versões que variavam de 135 minutos a 275 minutos. O épico original mudo de seis horas, no entanto, foi considerado perdido, até que uma restauração de 1979 reconstituiu aproximadamente dois terços do filme original, cuidadosamente remontado e restaurado pelo historiador de cinema Kevin Brownlow e apresentando uma trilha sonora original de Carl Davis. Dois anos depois, uma versão editada dessa restauração foi lançada nos EUA por Francis Ford Coppola, que patrocinou o trabalho de Browslow, com uma nova partitura de Carmine Coppola, pai de Francis.
Um trabalho minucioso foi feito pelo historiador e o próprio Gance (já com quase 100 anos), supervisionando a restauração. A reconstrução demorou quase 5 anos. Se pensar que Gance demorou 4 fazendo o filme, ele passou 1/10 da vida com o filme, sem contar que ele dirigiu outras versões. Gance virou sinônimo de Napoleão.Desde então, Brownslow completou pelo menos mais duas restaurações, a mais recente e melhor, sua versão de 2000, dura cerca de cinco horas e meia.
A narrativa de Napoleão culmina nos eventos da invasão da Itália em 1797. Na realidade, esta obra de Abel Gance seria a primeira parte de uma série de seis filmes sobre o comandante francês. No entanto, os altos custos da produção (18 milhões de francos) e outros problemas impediram que este projeto de maior porte fosse posto adiante.
E ainda assim, este milagre chega restaurado ao mercado de home vídeo pela Obras primas do cinema (detalhes no final do post !!!). Incrível como ao assistir uma cópia em dvd do filme, você enxerga como a restauração é tão impecável, que você não sente falta nem mesmo de um bluray. E lembrem-se, o filme foi de 1927.
No filme, dentre os vários aspectos técnicos notáveis, merecem destaques a utilização da câmera na batalha de neve, a sequência de Napoleão em meio a uma tempestade em alto mar, com antecipações do uso da câmera de mão, os planos das cenas de fuzilamento e uma gama de outras soluções bem a frente de seu tempo. Além destas singularidades, o filme ganhou reputação por causa de seus últimos 20 minutos, nos quais o diretor alternou sequências panorâmicas em widescreen com complexas imagens múltiplas, que eram projetadas simultaneamente em três telas acopladas lado a lado. Para termos uma ideia do componente visionário do filme, com este recurso Gance introduziu o "Polyvision", antecipando em mais de 20 anos o Cinerama, que só viria a ser criado na década de 50. Gance filmou 4 sequências no formato, sendo que 3 forma perdidas.
Segundo algumas fontes, afirma-se que Abel Gance chegou também a filmar em cores e em 3-D, mas não utilizou estes trechos para não distrair demais o público. Além das experimentações feitas em sua obra-prima, Gance também fez algumas experiências na parte sonora. O som estéreo, que só viria a aparecer muitos anos depois em superproduções hollywoodianas, também foi antecipado por Gance, que deu o nome de "perspectiva sonora" ao uso que fez de diversos alto-falantes espalhados pelo auditório, emitindo sons em conjunto ou seletivamente, dando ao espectador a sensação de total onipresença.
O filme, assim como a dupla dirigida por D. W. Griffith (e também lançada pela Obras primas do cinema) Intolerância e Nascimento de uma nação, encorpam o time de filmes mais importantes da história. Essenciais para qualquer um que ame cinema.
Título: Napoleão, Título Original: Napoléon vu par Abel Gance
País de Produção: França, Ano de Produção: 1927
Gênero: Drama biográfico, Direção: Abel Gance
Elenco: Albert Dieudonné, Vladimir Roudenko, Edmond Van Daële, Alexandre Koubitzky, Antonin Artaud, Abel Gance, Gina Manès.
Idioma: Francês (Mudo), Legendas: Português - Inglês
Cor: Preto e Branco; Colorizado
Napoleão - trailer
NAPOLEÃO (1927) - FILM REVIEW
https://www.tudosobreseufilme.com.br/2018/11/napoleaoreview.html
29/03/2021
Pieta, 2012, Kim Ki-duk
Pietà: trânsitos imagético-labirínticos de Michelangelo a Kim Ki Duk.
O objetivo do presente artigo é investigar os trânsitos imagético- labirínticos delineados no movimento de releitura de um texto imagético, a escultura Pietà (1499), do artista renascentista Michelangelo, para os textos fílmico/imagéticos Pietà (2012), do cineasta sul-coreano Kim Ki Duk...
29/03/2021
Cabras da Peste (2021), Vitor Brandt
Em Cabras da Peste, acompanhamos a história do cearense Bruceuilis (Edmilson Filho) e do paulista Trindade (Matheus Nachtergaele), dois policias totalmente incompatíveis que são forçados a trabalhar juntos para resgatar a Celestina, uma cabra que é considerada o patrimônio do Ceará. Durante a investigação, os dois descobrem que o sumiço do animal está interligado com as ações criminosas de Luva Branca, o maior alvo da polícia de São Paulo. Juntos, Bruceuilis e Trindade precisarão desmascarar a quadrilha comandada pelo traficante de entorpecentes e mostrar que ainda são policiais de verdade. No estilo buddy cop, o filme apresenta aquele clássico toque à brasileira.
30/03/2021
Time: O Amor Contra a Passagem do Tempo (Shi gan), 2006, Kim Ki-duk
O trabalho do cineasta coreano Kim Ki-Duk é marcado pela contemplação estética. Seus filmes têm poucos diálogos, fazendo com que as tramas sejam conduzidas pelas imagens. Nos últimos anos, três de seus filmes foram lançados nos cinemas brasileiros: Primavera, Verão, Outono, Inverno... E Primavera (2003), Casa Vazia (2004) e O Arco (2005). Time - O Amor Contra a Passagem do Tempo é o mais recente de Ki-Duk. E, para quem aprecia os filmes anteriores do cineasta, a má notícia é que esta produção não tem muito a ver com o cinema que o consagrou. Mais palatável, o drama chega a ter toques de comédia (sem a pretensão disso).
O subtítulo que o filme ganhou em seu circuito no Brasil, "O Amor Contra a Passagem do Tempo", é bastante explicativo em relação à trama, que gira em volta de Se Hee (Sung Hyun Ah) e Ji Woo (Ha Jung Woo). Eles formam um jovem casal em crise. Na verdade, quem passa por isso é ela. Insegura, não pára de ter irritantes crises de ciúmes e de questionar o amor do namorado, que tenta fazer com que a garota fique segura em relação ao seu amor. Mas as palavras de Ji Woo não funcionam muito e ela, acreditando que o amado está cansado de sua aparência após anos de namoro, resolve fazer uma radical transformação facial para reconquistar o amor que, na verdade, não foi perdido. A decisão, no entanto, acaba com as poucas faíscas de romance entre o casal e ainda desencadeia uma série de confusões. Portanto, o filme é sobre dois jovens que tentam lutar contra a passagem do tempo, cada um de sua forma, para evitar o desgaste do amor que sentem um pelo outro.
No roteiro, Time - O Amor Contra a Passagem do Tempo está longe de ser um filme com a marca de Kim Ki-Duk, mas ela transparece na direção, que aproveita muito bem as locações. A forma como o filme é desenvolvido é interessante, especialmente por sua premissa, a radicalização dos atos na busca pelo amor idealizado e eterno. No entanto, os personagens são rasos. As intenções dos personagens são nobres, mas seus atos são superficiais, conduzindo o filme num caminho perigoso. As situações ridículas nas quais são colocados os personagens acabam levando o longa a um desfecho completamente sem explicação e confuso. No final, o espectador se pergunta: "Para quê isso tudo?".
A intenção, na verdade, parece ser clara: o filme questiona o amor da forma superficial que muitos vêem. A superficialidade da protagonista, que não acredita no namorado quando ele lhe diz que a ama e resolve "trocar" de rosto para manter esses sentimentos, é abominável e é esse o alvo de crítica em Time - O Amor Contra a Passagem do Tempo. Por mais estranho que possa parecer, o fato do filme ser dirigido por Kim Ki-Duk é o que mais decepciona. Por tentar claramente produzir algo mais palatável, visando a conquista de novos espectadores, o cineasta acaba fazendo com que as características de seu trabalho sejam diluídas.
Por Angélica Bito, 22/05/2009
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